La repercusión que tienen las nominadas al Oscar este año tuvieron más aceptación que de costumbre por la nominación de “La teta asustada” a Mejor Película Extranjera del año. El público saludó la presencia peruana en los premios Oscar. Claudia Llosa no ganó, pero recibió el aplauso general por haber logrado, algo impensado para el cine nacional. Todo el Perú estaba pendiente, como nunca antes sucedió, de la ceremonia del Oscar. Curiosamente, el año que termina encuentra al ámbito cinematográfico totalmente divido por la cuestionada ley de Fomento y Masificación del Cine Nacional presentada por un grupo de congresistas. Esperamos que se pueda llegar a un consenso en cuanto a la mencionada ley que urge de una reformulación inmediata. No debe haber división, pero tampoco complacencia hacia determinados intereses. Este hecho ocurre en un momento en que se discute el hecho que dos películas peruanas hayan obtenidos premios y comentarios favorables de la crítica, pero cuya ausencia del público en las salas han sido más que notorias. El cine peruano merece otro rumbo y ahora es el momento de sentarse a discutir y llegar a un acuerdo que sea importante para el gremio y no para unos cuantos.
En cuanto al cine casero, el Blu-ray Disc, que apareciera hace algunos años, aún no llega a tener un impulso masivo. Los altos precios auguran poca demanda. Y eso se observa hasta en los mercados paralelos. Sin contar el hecho que para observar la calidad del Blu-ray Disc, es importante contar con un buen televisor plasma a su lado para que el goce y la experiencia sean placenteros. Ya que hablamos del siempre mercado informal, el escaso ingreso a nuestra cartelera de cintas que merecen ser exhibidas en el Perú permite que ante la ausencia de mejores propuestas, en nuestra irregular cartelera, estas puedan ser observada a través del DVD o ahora del Blu-ray Disc. Aunque nunca por nunca será igual como verlo en pantalla grande.
Por otro lado, el sistema 3D sólo hizo emocionar a los que asistieron a la proyección de “Avatar”. Finalmente ello, no paso de ser un producto comercial con que elevar el alza de las entradas. Nunca se sintió esta tecnología en cintas como “Alicia en el país de las maravillas” ó “Resident Evil 4: La resurrección”. Incluso mejor era verlo en su sistema normal. El 3D solamente, aparte de “Avatar”, fue efectivo en “Tron: El legado”. Después, todo fue para el olvido y hasta constituyó un derroche excesivo para un espectador que no le gusta que le den “gato por liebre”.
LOS MEJORES ESTRENOS DEL AÑO
Aquí les presentamos lo que consideramos son los mejores estrenos de este año 2010, muy bajo en relación a otros años, pero siempre con algo bueno que destacar. Aquí los mejores del 2010:
2.- LA CINTA BLANCA (MICHAEL HANEKE).- Los misteriosos sucesos que van sucediendo en un pueblo protestante del norte de Alemania, al filo de la I Guerra Mundial, tienen una apariencia de no estar conectados, el uno con el otro, merced a la letanía o distancia que parece verse la escena ayudado por la voz en off del profesor de la escuela. Aquí no se muestra partido por nadie, todo el mundo tiene algo que ocultar en una atmósfera totalmente agobiante y opresiva, en un lugar donde la moral y las apariencias externas lo son todo. Una simple historia, casi una fábula, le sirve a Haneke para analizar a una sociedad corrupta, sin intención de cambiar, hipócrita y a la vez cruel. Como en "Caché" (Escondido), una de sus últimas obras, Haneke se sustenta en la ambigüedad, no da respuestas. No se necesitan. La película nos sitúa unos días antes de la Primera Guerra Mundial, y nos enseña fielmente como era la sociedad alemana de ese momento, fanatismo religioso, servilismo, incesto, deprecio a la mujer, educación autoritaria a los hijos, y un largo etcétera, que solo logra llevar a los jóvenes a una conducta claramente marcada por el odio y el desprecio a todo lo que les rodea, siendo sin duda la semilla de los acontecimientos que llevarían a Alemania a cometer tremendas atrocidades durante la Segunda Guerra Mundial, en el que esta generación tomó el poder. Todo esto lo explica Haneke con un ritmo lento pero escalofriante, te va dando las pistas poco a poco, escudriña en la maldad y desviaciones de cada uno de los personajes, lento y sin prisa. Con ello hace que el espectador no pierda atención a lo que se cuenta porque aquí todo es importante como para dejar pasar un cabo suelto. Sin duda estamos ante una obra maestra absoluta que evidentemente tocará muchas fibras sensibles. Su muy cuidada ambientación remite a la obra de Bergman, la dirección, perfecta, lo hace participe al cine de Kubrick y de Tarkovski. Todo transmitido a través de silencios, de miradas, y de palabras. Su perfecto equilibrio entre una cosa y otra, hacen que "La cinta blanca" sea una cita ineludible, una de las mejores películas del año y de visión obligatoria.
3.- LOS AMANTES (JAMES GRAY).- La historia de Leonard y Michelle es un relato de amor serio y bien realizado. El director James Gray cambia radicalmente de giro y presenta un drama romántico sobrio y melancólico que intenta reflejar la soledad y los desengaños amorosos. Un guión que desnuda el lado opuesto de este relato que tiene poco de romántico pero sí mucho de crudeza, con un realismo al máximo donde vemos las sentidas consecuencias de las malogradas relaciones amorosas y pasionales. El amor de Leonard se debatirá entre la complicada y emotiva Michelle y Sandra, la chica perfecta a ojos de su familia. Gray nos habla del miedo a la soledad, del daño colateral existente en toda relación y el conflicto familiar tan habitual en su cine. Para ello plasma una puesta en escena sobria que refleja autenticidad, pero la película crece no sólo por la sólida dirección de Gray sino por las buenas interpretaciones de Gwyneth Paltrow y Joaquin Phoenix. La relación de esta pareja es una de las más auténticas que se ha visto en estos últimos años. Quien espere derramar lágrimas a granel se equivoca de película, puesto que aquí lo realmente relevante emana de un personaje construido a la perfección, que desprende lástima por momentos y, sobre todo, mucha comprensión. Aquí lo importante no es si el protagonista termina al final con su amada sino las decisiones que uno va tomando en la vida, en muchas ocasiones de forma totalmente egoísta e incluso cruel.
4.- TOY STORY 3, (LEE UNKRICH).- Otra de las entrañables cintas que llevan el sello emblemático de Pixar quién ha logrado encumbrarse dentro del género de animación, no sólo por haber sido el pionero en material digital, sino por haberse mantenido por encima de sus competidoras, siempre innovando y ofreciendo, algo que es primordial, historias memorables muy bien narradas y que han dejado huellas imborrables a chicos y sobretodo a grandes. Pixar ha establecido el lema que la tecnología tiene que ir de la mano de una historia que se fortalezca con este prodigio digital que sirva de soporte a su realización y lo fortalezca eficientemente. “Toy Story 3” es una de las mejores películas de Pixar porque sabe combinar, la aventura, los sentimientos y la melancolía aprovechando el prodigio técnico que tiene entre sus manos, manteniendo una hilaridad y un ritmo sorprendente pero característico dentro de sus obras. Aquí, tanto el guión de Michael Ardnt como la dirección de Lee Unkrich, resultan eficientes sobretodo a partir de la fuga de Woody y sus amigos hasta llegar a esa misteriosa guardería "Sunny Side", donde presentan personajes oscuros y deprimentes como "Bebote", una especie de "Chicho Bello" de los setenta, que puede asustar a los engreídos de la casa y que lo acerca al género del horror y ese memorable villano con olor a frambuesa como lo es, el oso, "Lots-o". “Toy Story 3” completa el nacimiento de una nueva trilogía que sin duda alguna será inmortal dentro de la historia del cine, no solo por ser la pionera de la animación digital, sino también por haber combinado de manera excepcional la temática infantil con valores aplicables para toda edad. El momento del adiós de Andy con sus entrañables juguetes rebasa todos los límites de sensibilidad. Ese momento llega a enternecer a todos, no sólo por el tratamiento visual, sino por ser el corolario final de una historia llena de mensajes reflexivos y evocativos. Es un retrato perfecto de la amistad, la lealtad, la tristeza del paso del tiempo perfectamente retratada, el dolor de la pérdida, pero también la evolución y perduración de la vida, y las cosas que no se deben perder en ella. La película es simplemente una lluvia de lecciones de vida plasmada de una forma magistral y tan perfecta que cuesta creer que haya tanta profundidad en unas animaciones. Pixar consigue ganarse el respeto de cualquier buen cinéfilo con una cinta muy bien lograda, hasta en los créditos finales cuando rinde homenaje al maestro Hayao Miyasaki con la aparición del querido "Totoro". Maravillosa y muy, muy recomendable. Cuando termines de verla, más nunca querrás desprenderte de tus juguetes favoritos. Memorable.
5.- ENEMIGO INTERNO (WERNER HERZOG).- La historia del teniente Terence McDonagh buscando pistas para encontrar a los culpables de la brutal violación de una joven novicia en la Nueva Orleans, post Katrina. El director Werner Herzog retrata las ruinas físicas y humanas dentro una ciudad destruida en la que el oficial McDonagh se aprovecha de su autoridad y sucumbe dentro de sus propios desvaríos luciendo, conforme transcurren los minutos, cada vez más desencajado y maltrecho. Herzog toma de la trama su lado corrupto y lo convierte en esencial dentro de su obra creando un ambiente putrefacto y amoral. El retrato de este policía corrupto, que se mueve entre las buenas intenciones lógicas de su posición laboral y su recorrido como un consumidor empedernido de drogas, se aleja de los convencionalismos propios en este tipo de películas. Herzog retrata un personaje demente y enfermizo que por diversos motivos nunca se hace despreciable. Uno de los grandes aciertos del film se debe a la genial interpretación de Nicolas Cage, que se desenvuelve como pez en el agua en este tipo de papeles histriónicos. Herzog rubrica con su firma una obra ajena, dado que la cinta es el remake de "Bad Lieutenant" una de las buenas cintas policiales de los noventa del director Abel Ferrara, pero el maestro le otorgó agradables diferencias que la separan de su antecesora y eso es más que meritorio.
6.- RED SOCIAL (DAVID FINCHER).- Los orígenes del Facebook y su revolución dentro del mundo de las comunicaciones. En la historia de su creador, Mark Zuckerberg, todo es planteado fríamente y eso levanta la trama, debido a que la cinta no es detallista, no caben concesiones al melodrama porque en este "sueño americano" los negocios se realizan de esa manera. Todo frío y calculado. Fincher va directo a la historia, no se entra en detalles, con unos personajes tan inteligentes como el propio guión. Es más, si la cinta se hace demasiado corta se debe a la sensación que deja la película de haber visto algo tan distinto como nuevo porque en el guión lo que abunda son los diálogos y eso la eleva a un nivel superior, debido a que los detalles y las intrigas están en las conversaciones de aquellos jóvenes involucrados en el proyecto de Zuckerberg a quién no le importa ganar dinero sino crecer su "invento". El guión de Aaron Sorkin brilla por la notable construcción de ideas plasmadas dentro de la historia donde las buenas y viejas pasiones humanas se dan la mano con la apasionante revolución social que han traído consigo las nuevas tecnologías, por ello Fincher se limita a seguir las líneas de tan magnífico guión sin agobiarlo con alardes innecesarios. Es que, si Fincher le da cuerpo al relato, Sorkin le da el alma. Su guión, aparte de estar hilvanado con maestría, logra mostrar la diferencia entre ser popular y tener amigos. Todos quieren figurar, todos quieren ganar amigos, conseguir novia, planear, ser famoso, concurrir a fiestas, sacar plan y acostarse con alguna chica que se agrega a tu red. Hazte famoso y te querrán. Sé popular y te invitarán, eso se detalla en el film, con sus amarguras y sinsabores. Pareciera que Fincher ha querido hacer esta película, no para encumbrar al creador de Facebook, sino para hablar de las carencias de ciertas personas a relacionarse en el mundo real. El momento del juicio que enfrenta Zuckerberg, es de lo mejor de esta historia, unido a su gran final, donde el recuerdo de "Ciudadano Kane" se hace presente y es que la desolación de este multimillonario por esperar que la amiga soñada se agregue a su red personifica, quizás a ese inubicable "Rosebud" que con los nuevos inventos parece haber sido cambiado por el simple click de un ordenador portátil. Lástima que la esperada respuesta jamás llegará. Sin duda, Fincher ha realizado una película brillante logrando con ello, tal vez la mejor de su filmografía. Recuerda siempre esto: "No se hacen 500 millones de amigos sin hacer unos cuantos enemigos." a la que agregaremos: "No siempre los amigos están allí, si los pierdes ninguna red social te devolverá el verdadero valor de la amistad". Notable.
7.- ZONA DE MIEDO (KATHRYN BIGELOW).- La brigada estadounidense de desactivación de explosivos desplegada en Irak, que vive día a día con la muerte. Bigelow se centra en las vicisitudes del sargento William James un ser que vive del peligro, un profesional que cumple con éxito su labor no importando el riesgo que tiene que correr. El guión es tan conciso como directo, con ello permite sentir las tensiones y los sentimientos en muchos pasajes del film. Cuando la esposa del sargento James le pide dentro del supermercado que compre un paquete de cereal y éste se queda pensativo ante la intrascendente tarea de tener que elegir, en una estantería repleta de infinitas marcas, uno del citado producto artificial y completamente innecesario constituye un paralelismo notable entre aquel hombre que lleva desactivadas en su haber más de 800 artefactos en su curriculum y el hombre casero que solo tiene que elegir un cereal para el desayuno familiar de mañana. Una película con una sucesión de gestos y miradas a la que hay que poner atención. La historia contada toda con cámara en mano plasma en expresiones y gestos los avatares que existen dentro de una zona de guerra, como cuando al sargento William James se le pregunta sobre qué es lo mejor para desactivar una bomba y éste responde: ¡No morir!”, y es que estamos ante un personaje y sus códigos, que pasan de la agitación a la relajación en cualquier momento de su turbulencia estancia en Irak y cuyo único deseo son sus ansías de sobrevivir y poder volver a casa y pasear con su familia comprando en un supermercado donde tal vez conviva con personas que no tienen la más remota idea que al otro lado del mundo un puñado de hombres juegan con la muerte como si jugaran al póker. Aquí, el cine bélico de los grandes combates es dejado de lado, porque Bigelow no explica sino interpreta.
8.- AMOR SIN ESCALAS (JAISON REITMAN).- La vida de Ryan Bingham es envidiada por muchos. Viaja constantemente, vive placenteramente y no es ajeno a los romances y las pasiones. Aunque su empleo no sea para nada atractivo. Una mordaz y conmovedora cinta con algunas pinceladas románticas que la elevan por encima del promedio de películas presentadas este año. El director Jaison Reitman vuelve a encandilar a crítica y público con una cinta muy bien lograda, manteniendo un equilibrio perfecto entre géneros, centrando la atención con pequeños detalles, hasta llegar al contundente final. Reiman explora el cine clásico americano y lo plasma en esta obra que expone los duros momentos de la recesión económica norteamericana. Hay mucho de Billy Wilder y hasta de Frank Capra (especialmente en "Sucedió una noche"), durante varios pasajes de la cinta donde la voz “over” en primera persona le permite desarrollar eficientemente lo narrativo con lo visual plasmando las correrías de un hombre que viaja en el aire y camina en la tierra que descubre lo que hay detrás de la vida en pareja y siente que toda su vida no fue más que una imagen pasajera de un “triunfador caído”. Esta tercera película de Jason Reitman posiblemente sea la más madura y la más serena, la más tranquila y la más meditada, y no por ello la menos viva. El Ryan Bingham en el que se transforma George Clooney (una perfecta reencarnación del Cary Grant más clásico), es lo mejor que le ha pasado a la comedia norteamericana desde aquel actor fracasado, perdido en si mismo, que personificaba Bill Murray en "Perdidos en Tokio" (Lost in translation). Bingham es un paria, que reniega de su hogar y huye de su familia, sabe como ser egoísta y a la vez encantador, se encuentra de improviso con que tiene sentimientos al conocer a Alex Goran (Vera Farmiga) y Natalie Keener (Anna Kendrick). "Amor sin escalas" es introspectiva, tierna y por momentos memorable, con diálogos, personajes y situaciones que la sitúan como una de las grandes películas del 2010. Aplausos para Jason Reitman por haber revitalizado esa comedia que tanto añorábamos. Sin duda, "Amor sin escalas" tiene el valor de haber alcanzado el título de "curiosa joya cinematográfica", y eso no es poco en los tiempos del, hasta ahora, sobrevalorado 3D.
9.- ATRACCIÓN PELIGROSA, (BEN AFLECK).- Lograda cinta policial dirigida por el talentoso Ben Affleck quién nos relata la vida de Doug MacRay, el líder de facto de un grupo de ladrones de bancos despiadados que roban lo que quieren y siempre salen airosos. Pero, todo eso cambió en el último trabajo del grupo, cuando termina enamorándose de su ex rehén. La atracción instantánea entre ellos se convierte gradualmente en un romance apasionado que amenaza llevar a los dos en un peligroso y potencialmente mortal recorrido. En la historia de Affleck se distinguen dos líneas argumentales diferenciadas. Una es la trama propiamente criminal, que es lo mejor, y la otra, la historia romántica entre el personaje principal y una ex rehén que desconoce que su pretendiente fue el tipo que la secuestró. Entre estos dos frentes se desarrollará el drama dentro de una muy buena cuidada ambientación gris y sórdida de un Boston carente de toda esperanza, conformando así un perfecto marco que define el carácter de unos personajes al límite, igualmente repletos de claroscuros, además de una muy segura dirección de actores. Estos dos rubros posibilitan que la dirección de Affleck se consolide. Sin dejar de alabar su concepto de violencia pura plasmada en las escenas de acción donde es destacable la secuencia central que consiste en una persecución frenética a ritmo de balas por doquier. Una historia mil veces vista (atracadores y sus códigos de honor perseguidos por policías obsesionados, con historia de amor de por medio) pero que parece originalmente nueva y eso, sin duda, es mérito del director. "Atracción peligrosa" confirma a Ben Affleck como un realizador al que hay que seguir con atención.
10.- LA CIUDAD DE LAS TORMENTAS (PAUL GREENGRASS).- Un intenso drama de acción, de alto voltaje, convincentemente realista. Paul Greengrass, fiel a su estilo, adapta una historia ambientada en el Iraq de los caóticos días posteriores a la invasión norteamericana. Greengrass combina los elementos políticos que sintetiza la trama y le inyecta el misterio y la intriga bajo aquellos recónditos lugares, oscuros, sucios y caóticos de la convulsionada Iraq. Esta combinación permite que el realizador reproduzca la tensión y el peligro gracias una cámara en mano que sigue a su protagonista el subteniente Roy Miller durante todo su recorrido hasta llegar a esa verdad que sorprende y agrada. Al igual que “Vuelo 93” ó “Domingo sangriento”, Greengrass, sorprende y deja bien sentada la diferencia entre un cine de entretenimiento como la trilogía "Bourne” y un cine de denuncia política. Una pena que la galardonada "Zona de miedo", le haya ganado por puesta de mano a esta cinta, aunque para la Academia, seguramente, este filme no sería aceptado por "principios" que no tienen nada que ver con lo que es cine. Y es que aunque "Zona de miedo" sea un filme más completo, sin duda, el filme de Greengrass no se achica ante la premiada cinta de Katherine Bigelow. Los mejores momentos de “La ciudad de las tormentas”, sin duda, son las escenas de acción y el recorrido de Miller, entre balas y bombas, en busca del oficial del ejército iraquí Al Rawi. Y es que a pesar de su inconsistente final, la cinta tiene un ritmo frenético, una visualización impresionante y una puesta en escena formidable, que termina encumbrando a Paul Greengrass que ha demostrado que tiene muñeca para este tipo de filmes que huele a una acción con una verdad política tremendamente realista que da detalles para un mejor análisis de lo que es, hoy en día, el circulo del poder. Aplausos para Paul Greengrass.
11.- LA FELICIDAD DE VIVIR (YÔJIRÔ TAKITA).- La emoción por descubrir el sentido de la existencia y el deseo de vivir. El director, Yojiro Takita nos acerca al ritual mortuorio utilizando elementos y símbolos que ejemplifican con maestría esta corriente estética oriental basada en la fugacidad, la simpleza, la imperfección, el minimalismo, la espiritualidad. Daigo es un antiguo violonchelista de una orquesta que se acaba de disolver, sin trabajo y sin demasiada esperanza logra conseguir un empleo como enterrador: limpia los cuerpos, los coloca en su ataúd y los envía al otro mundo de la mejor forma posible. Aunque su esposa y sus vecinos contemplan con desagrado este puesto, Daigo descubrirá en este ritual la emoción, la alegría y el sentido de la vida. La cinta va mostrando las tensas relaciones de Daigo con su entorno. El trabajo que cumple es una labor “innoble” producto de los prejuicios de la época. Se ve obligado a ocultar su oficio y llevar una doble vida. Cuando la esposa la descubre, le reprocha el estar “sucio” y contaminado por la muerte, lo que termina por hacer descubrir en Daigo que muchas veces la vocación (el ser músico en este caso) y el medio de sustento para comer (el de enterrador) no tienen por qué ser los mismos y es en ese despertar, hacia el gusto por hacer su trabajo obligatorio, donde reside la maduración del personaje principal para “sentir la vida” de una manera más profunda. Lo que hace grande este filme, aparte de atreverse a manejar un tema tabú y de riguroso cuidado en la cultura japonesa, es la forma en que lo cuenta, logrando aquello que algunos filmes no logran hacer, como es la capacidad de emocionar con cada una de sus situaciones las cuales nos invitan a la reflexión. Una película plena de sentimientos, sabias enseñanzas y bellísimas ceremonias mortuorias. La vida y la muerte en una singular convivencia. Cine de categoría superior. Para reflexionar la trascendencia de la muerte cargada de valores, actitudes y planteamientos casi desconocidos para nosotros, los vivos. El paso de la vida a la muerte en forma solemne y ceremonial.
12.- EL ÚLTIMO CAMINO (JOHN HILLCOAT).- Correcta adaptación de la exitosa novela de Cormac McCarthy. El recorrido de un padre e hijo en un planeta arrasado por un misterioso cataclismo en busca de un lugar seguro donde asentarse. Unos viajeros que buscan esa “tierra prometida”, lejana y desconocida. Nada vive o se mueve, salvo el viento que agita la ceniza, Todo es vital a su paso. Ropa, zapatos, agua embotellada o comida en latas son bienes preciosos. Y los escasos humanos deben evitarse, porque buscan robar y matar o viven en hordas que practican el canibalismo. Un padre y su hijo, cuyos nombres nunca sabremos, recorren este mundo apocalíptico sin saber cuál es su destino. El director John Hillcoat evoca las imágenes y los personajes de la novela de McCarthy dotándoles de de una puesta en escena áspera y austera. Los protagonista interpretados por Viggo Mortensen y Kodi Smit-McPhee, hacen gala de una enorme complicidad y realizan una actuación sobresaliente, tanto por su credibilidad como por la emotiva historia que trasmiten, además de ser secundados por Charlize Theron y un estupendo Robert Duvall quién aparece como un viejo de 90 años en un rol irreconocible. El guión refleja la dura visión de la supervivencia y del alma humana en situaciones extremas. La relación entre padre e hijo y sus diferencias de actitud ante el mundo y la gente es el sentir de una vida que no tiene futuro más si esperanza. Un relato cuyo destino está lleno de preguntas e interrogantes sin contestar y que sólo la vida misma dictará el camino que uno debe seguir. Reflexiva al ciento por ciento.
13.- UN HOMBRE SOLO (TOM FORD).- El diseñador de modas Tom Ford realiza un prometedor debut en el cine con esta adaptación de la novela homónima (1964) del escritor inglés (nacionalizado norteamericano) Christopher Isherwood. La vida de George Falconer, un profesor universitario, británico, homosexual de 52 años que lucha por encontrarle sentido a su vida tras la muerte de su compañero sentimental. Es una visión introspectiva del día más decisivo en la vida de George, encarnado de forma magistral por Collin Firth. El día dónde comenzará el final del sufrimiento que lleva engendrando desde la muerte de su pareja. El descalabro interior de George se ve claramente en la perfecta meticulosidad de sus actos, en la inalterable perfección de su rutina. No está solo, tiene la incondicional amistad de Charley (Julianne Moore), pero ella, como él, ha perdido toda esperanza. Y a pesar de que bellos efebos se le ofrezcan por el camino, ninguno es como era el suyo, ninguno es su ser amado. Es un profesor gay que reflexiona si merece la pena vivir después de la muerte de su novio, compañero y amante. No es un relato sobre la homosexualidad. Es una historia que trata de reflejar el dolor intenso que uno lleva por dentro y lo que cuesta aceptarlo y sobrellevarlo y sobre la crueldad de un destino que parece marcado sobre cada uno de nosotros y la forma en la que se nos presente, en ocasiones. “Un hombre Soltero” habla sobre la callada desesperación de una vida abocada al vacío. Es una película inteligente y original como pocas. Una historia creíble, una temática recurrente en lo que concierne a las pasiones y dolores humanos. Tal vez le falta pasión y le sobra sentimentalismo, en algunos momentos, pero un excelente Colin Firth, una maravillosa fotografía y una música inolvidable, sin omitir el trabajo de Julianne Moore, nos muestran el camino del amor y del dolor a través de los recuerdos.
14.- LA CAJA (RICHARD KELLY).- Un hombre misterioso con un rostro horrible y desfigurado, toca la puerta de la casa de Norma y le presenta su propuesta de vida alternativa: la caja. Richard Kelly dirige esta extraña cinta que causa intriga cuando aquel misterioso extraño, un ser impasible y sereno toca la puerta y le propone a Norma ganar un millón de dólares. Lo mejor de la cinta radica en el personaje de Arlington Steward encarnado por Frank Languella. Ese ser que parece venir de un mundo paralelo, que pretende juzgar a los seres de este mundo. Languella detalla en gestos la implacable ley del más allá y pretende demostrar que ningún mortal puede ser ajeno, no importa el motivo que sea, a la codicia y a la tentación. El pie mutilado de Cameron Díaz representa, más que el daño médico que sufrió en la infancia, el problema que tenemos los seres humanos de no ser inmunes al dolor y a la tentación que a la larga es el inicio para doblegarnos ante lo irresistible que resulta tener un millón de dólares que te cambie la vida y te saque de los problemas propios de esta vida. Richard Kelly sabe detallar la tensión en escenas claves que permiten que no solo sus personajes estén tan asombrados de lo que pasan sino hace que el espectador también se contagie de este misterio que parece un preámbulo a un juicio final. En esta cinta todo es posible y nada se explica, hay tantas ansias de mantener la intriga que todas las respuestas se reservan para el final. Un mérito importante de Kelly es que utiliza gran cantidad de elementos característicos del cine de David Lynch, (incluyendo decorados) que posibilita que nos ofrezca una galería de secundarios extraños, pero efectivos como el alumno perverso que se burla de la protagonista, la vieja de la cena, la mujer del hombre de la caja, además de escenas tan misteriosas que crean inquietud como la escena en la biblioteca que parece ser el inicio para un juicio espectral y tétrico. Kelly tiene sus méritos, pero la cinta no sería atractiva sino tuviera al gran Frank Languella quien logra que Arlington Steward sea un juez duro e implacable de la vida humana. Atractiva y misteriosa.
15.- EL SECRETO DE SUS OJOS (JUAN JOSÉ CAMPANELLA).- Un grandioso guión que reconstruye, en tono y ritmo, la historia de un crimen que marco la vida de los protagonistas, lo que permite al director combinar el drama romántico con la investigación policial unido al lado histórico, político y social en la que se desarrolla la película. Campanella complementa su historia con todo lo que está a su disposición para engrandecer la trama y estos hechos permiten que admiremos su habilidad para ingresar a sus historias merced a esos detalles y planos que encumbran a la cinta como es el ingreso, en flash-back, al año del crimen por las turbulentas ciudades de aquella Argentina teñida de sangre ó los recuerdos de recuerdos, inventando el pasado, recordando el presente y viviendo el futuro, como aquella vieja Olivetti que escribe sin la "A" que conlleva al recorrido literal de Benjamín Espósito no permitiendo que aquella "A" se agregue en medio de aquellas simples palabras que encierran, mucho más que simples letras y que paradójicamente van del temor al amor (del "Temo" al "Te Amo"). Todos estos detalles se unen al momento de la secuencia, arranque-acercamiento al estadio de Racing, de lo mejor que se ha rodado hasta ahora, donde se lucen Ricardo Darin y un sorprendente Guillermo Francella, tanto cuando son meros espectadores y cuando son los perseguidores del acusado. Ni que decir la tertulia alcoholizada entre Sandoval y sus amigos que conlleva a desenterrar el rompecabezas que se cierne en torno al paradero del acusado. “El secreto de sus ojos” tiene todo lo que se le puede y debe pedir a una buena película. Campanella trabaja de manera más que eficiente con la cámara, los actores y con el tiempo. Y lo más importante: sabe crear emociones. Ahora bien, algunos le reprochan a Campanella ese final explicativo. Lo cierto es que la grandeza de la cinta reside, precisamente, en su capacidad para mantener al espectador interesado en lo que sucederá más adelante, hacerle pensar y después llegar a emocionarlo con escenas contundentes, como la secuencia del ascensor, inteligentemente ligado al suspenso ó el reto de la jueza para que posibilite la confesión romántica de su amigo y subordinado. “El Secreto de sus Ojos”, es una película inteligentemente filmada donde se conjugan drama, comedia, romance, suspenso y cine negro dentro de un muy planificado guión. Sin duda, cine del bueno.
LOS PEORES DEL AÑO
1. - SHREK PARA SIEMPRE (MIKE MITCHELL). - Deplorable cierre de la historia del ogro verde y sus simpáticos personajes al que no supieron aprovechar. Lo que pasa es que Dreamworks se empeñó en centralizar el protagonismo en el ogro verde y eso fue fatal, ya que existían muchos personajes que podían servir de complemento a este popular personaje. El villano Rumpelstinkin, el ejército de ogros, las brujas, y el flautista de Hamelin no fueron el complemento ideal para que la historia crezca. Ellos fueron meros bufones para una historia típicamente infantil, pero sin una gota de audacia ni mucho menos originalidad, que es lo que se esperaba de esta saga que realmente llegó a encantar. Lamentablemente, la fórmula ha sido explotada casi hasta el límite con historias donde los personajes ya no tienen nada nuevo que ofrecer en una trama que ya no encuentra paradero final con que acaparar la atención del público. Curiosamente esta cinta compitió, en nuestra cartelera, con "Toy Story 3" y de alguna manera, uno pudo observar la diferencia que existe entre la originalidad y el talento contra la irregularidad y el agotamiento.
2.- SEXO EN LA CIUDAD 2 (MICHAEL PATRICK KING).- Nuevamente las amigas Carrie, Samantha, Charlotte y Miranda, vuelven a darle otro bocado a La Gran Manzana, continuando con sus agitadas vidas y sus intrascendentes romances. El problema de la trama es la empalagosa frivolidad que se siente en toda la historia y eso minimiza mucho la propuesta de mostrar "algo más de la serie", porque finalmente tiende a ser un producto superficial destinado a un determinado público en el que buena parte del metraje es un escaparate de grandes marcas. Aquí la empalagosa frivolidad se sumerge en un guión digerible donde la sátira pierde fuerza, la ironía se atrofia y la diversión redunda en lo mismo, que parece nunca acabar. A las cuatro protagonistas se las ve cansadas, hastiadas del personaje, son ahora cuatro mujeres sobrepasadas por sus propias vidas. Estas mujeres no han madurado, se han deprimido. Es que las amigas son exitosas, tienen en su haber una serie millonaria en ventas y en sintonía, pero la pantalla grande las retrata lo que representan realmente, moda y frivolidad apetecible para un público determinado. En realidad la película no tiene razón de ser. En síntesis, es un folletín al estilo de “los ricos y famosos” donde cuatro mujeres de ese frívolo mundo se toman unos días de vacaciones, demostrándonos que si no compran ropa, no beben o no se echan cremas son bastante aburridas, y para tener una conversación medianamente inteligente con ellas, se tiene que hablar de banalidades.
3. - GARFIELD 3D, (MARK A.Z. DIPPÉ, KYUNG HO LEE).- El gato haragán retratado pobremente en un cuento bobo que resulta insulso hasta para los más pequeños. Encima el 3D es colocado para sacarles billete a los padres que se aburren junto a los engreídos de la casa por una historia para nada interesante. Al pobre gatuno también le espera el cierre definitivo tras su irregular paso por la pantalla grande.
4.- EL HOMBRE LOBO (JOE JOHNSTON).- Una oportunidad desperdiciada por el equipo que realizó este film aburrido y para nada efectivo. La cinta carece de suspenso y de esa cierta tensión que debe tener argumentos de este tipo. Hasta el gran, experto en maquillaje y efectos visuales, Rick Baker, parece contagiarse del pálido guión y sólo aporta un mínimo de su gran talento. El señor, Benicio del Toro tendrá el físico acorde al licántropo, pero no por ello necesariamente encaja dentro de un papel que carece de sentimientos y expresividad. Para colmo la música incidental es muy parecida al film de Francis Ford Coppola que en 1992 logró el aplauso general con su memorable "Drácula". Y es que, a casi, 30 años después de "Un hombre lobo americano en Londres", la exitosa película de John Landis, que es el referente más cercano a este film, aún añoramos esa memorable entrada a Londres con sangre a granel y cuerpos descuartizados que contribuían a la formación de la historia. Lamentablemente el ambiente lúgubre y oscuro poco aportan para el desarrollo de la historia, a la par que la entrada de Del Toro (disfrazado de lobo) al Londres de los 40 carece de ese sentir y suspenso que encantó a toda esa generación ochentena que todavía recuerda la increíble transformación de David Naughton que maravilló a todos gracias a la genialidad del propio Baker que ganó un Oscar al Mejor Maquillaje por dicho film. Lamentablemente esta nueva versión es muy inferior, bajo todo punto de vista, lo que deja un sabor amargo para todos aquellos amantes de buenas historias sobre licántropos.
5.- EL SOLISTA, (JOE WRIGHT).- Un film fallido que podría haber sido otra cosa pero que se queda en nada, aunque lo mejor sigue siendo (sin destacar mucho), el gran Robert Downey Jr. Sin él la cinta hubiera sido un aburrimiento total. Es que la cinta intenta ser drama inspirador, pero adolece de una reflexión en sus diálogos y un instinto inspirativo en sus escenas. La película en sí, es lenta, cansa bastante y se desinfla en muchos momentos. El director, Joe Wright parece más preocupado por visualizar una sinfonía instrumental que una historia que se centre en los sentimientos de los personajes. Un trabajo con puntos de interés, pero por debajo de las posibilidades de su director.
6.- EL IMAGINARIO MUNDO DEL DR. PARNASSUS (Terry William).- El director Terry Gilliams vuelve al mundo fantasioso y bizarro, tan complejo y abstracto en donde la imaginación se desborda y la fantasía es bastante compleja. Si algo se le puede reprochar (y no es poco) a esta cinta, es la falta de un argumento sugerente que eleve la película más allá de la buena imaginería visual, surrealista y extravagante. Una película muy personal que puede gustar, como no gustar debido a su sentido del exceso y a su absorbente imaginación. En todo caso, el interés decae, en muchas partes del film, aburriendo y dejando más de una interrogante dentro de una historia que dice mucho pero no aporta nada.
7.- EL RATÓN PÉREZ 2 (JUAN PABLO BUSCARINI).- Nada atractiva cinta donde se dice todo, desde el arranque, provocando desazón y desinterés. Ni los recién nacidos aprobarían este film totalmente intrascendente.
8.- ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS (TIM BURTON).- Una de las grandes decepciones del año. Se esperaba más de esta cinta, sobretodo si el gran Tim Burton estaba detrás del proyecto. El destacado director crea un espectáculo visual poco inspirador para un mundo que merecía ser más sobrio y acaso más misterioso, pero aquí todo es contado tan exageradamente bufonesco, ruidoso y exagerado que cada toma acaba quedándose en una intrascendente secuencia para el remate final con unos diálogos tan poco atractivos que terminan atosigando al espectador. La joven Mia Wasikowska no logra entusiasmarnos en su rol. Parece una joven al servicio de los grandes, Johnny Depp y Helena Bonham Carter, que la tienen como el soporte de sus lucimientos porque nunca se siente su protagonismo en esta trama. Por momentos parece que estamos en el mundo de Narnia y no en el de Alicia. La cinta es un soponcio intrascendente, un pálido reflejo de lo que el buen Burton ha hecho en otros trabajos. Una mención aparte merece el llamado 3D que realmente sólo con "Avatar" terminó convenciendo de su "ayuda fílmica", pero que en cintas como ésta no se entiende porqué diablos se incluye sino aporta en nada a la historia más que "soplarnos" 15 ó 20 soles más por algo que tranquilamente se puede “disfrutar" en 2D que en esa pantalla tecnológica tan poco digerible. Un desencanto total. ¿En qué estabas pensando Tim?
9.- PESADILLA EN LA CALLE ELM (SAMUEL BAYER).- Otra decepción más. La película no llega a satisfacer las expectativas merced a que su protagonista no logra que dejemos de evocar a Robert Englund que le imprimió a este personaje una personalidad siniestra de manera irónica y morbosa. La cinta no logra captar la esencia central de la trama original que mantenía en vilo a los adictos al género, como es esa ironía y sutileza al mostrar originalidad en las escenas de los sueños previas a los asesinatos, todos sangrientos y crueles que encantaba a los fans de todo el mundo mostrando hasta pánico y pavor en los adictos al cine, allá por los ochenta. Nada de eso existe en esta nueva versión. La verdad que la productora de Michael Bay aporta poco a esta saga. Nosotros seguimos extrañando al gran Wes Craven, creador absoluto de uno de los íconos indiscutibles del cine de terror. Pesadilla en la Calle Elm, sin ser la peor de la saga es totalmente prescindible y olvidable. La sombra de Robert Englund como Freddy seguirá pesando ¿Habrá alguien que siquiera lo iguale? Veremos que nos depara el futuro.
10.- EL PRÍNCIPE DE PERSIA (MIKE NEWELL).- Una cinta precedida por una empalagosa publicidad que no llegó entusiasmar en lo absoluto. Refrito de siempre con situaciones aparatosas y estilos harto conocidos. Más de lo mismo.
11.- NINE: UNA VIDA DE PASIÓN (ROB MARSHALL).- Una historia intrascendente. Las interpretaciones de Marion Cotillard, Penélope Cruz, Kate Hudson y Judy Dench pasan desapercibidas debido a una mera sucesión de números musicales que narran, sin pasión alguna, la crisis creativa de un director italiano interpretado por Daniel Day-Lewis. Lo que se observa en Nine es un fallo de adaptación, Anthony Minghella y Michael Tolkin no han sabido convertir el libreto de un musical en el guión de un largometraje lo que, en cierta forma, deja al descubierto la superficialidad de la propuesta.
12.- MI VILLANO FAVORITO (CHRIS RENAUD Y PIERRE COFFIN).- Otras de las entregas infantiles más insípidas que se halla visto. Un guión al servicio del 3D y nada más.
13.- KARATE KID (HARALD ZWART).- Decepción de este pálido reflejo del clásico de los ochenta. Nueva adaptación de la cinta que encantó a toda una generación. El problema de esta versión es que el cambio de escenario y una irregular dirección de actores hacen que algunas escenas sean demasiado extensas y empalagosas. La química entre Jaden Smith y Jackie Chan interesa, pero no logra llevarnos al éxtasis de la emoción. Algunas escenas claves del original han sido omitidas como el memorable “dar cera, pulir cera” por el "colocar chaqueta, botar chaqueta" que no logra tanta impresión como en su primera entrega. Indudablemente es difícil no hacer comparaciones, toda vez, que este filme casi está hecho para la promoción de Jayden Smith (sus padres son los productores del film), por ello ya se habla de una segunda parte. "Total, si el menor de los Smith quiere seguir el camino de su padre Will, entonces hay que apoyarlo". Lo real es que el pequeño Jayden no desentona, pero nunca logra la compenetración ideal con su compañero de reparto, Jackie Chan quién intenta alejarse de las características que le imprimió Pat Morita, pero los diálogos y la pésima dirección de actores, se lo impiden. Nada que ver.
14.- EL ÚLTIMO MAESTRO DEL AIRE (M. NIGHT SHYAMALAN).- Una mezcla de “La Guerra de las Galaxias” al estilo oriental, llena de piruetas y artes marciales. Todo es bastante tonto e irrisorio. El problema no está en la concepción sino en la ejecución. La maravilla visual es pasable, pero el guión y su propuesta es deplorable. Quizá agrade a los más pequeños. En todo caso, más son sus desaciertos que aciertos.
15.- RESIDENT EVIL 4: LA RESURECCIÓN (PAUL W.S. ANDERSON).- La continuación de una historia que se estira a más no poder agregando, esta vez, el 3D para esconder el pobre vacío argumental de una trama nula que solamente sale adelante gracias al derroche visual llena de acción y tiros por doquier. El argumento tiene más de lo mismo: personajes encerrados, situaciones límite, puñaladas traperas, zombies por doquier y personajes nuevos del videojuego que se incorporan a las saga como el de Chris Redfield o el zombi encapuchado con el hacha/martillo visto en el juego "Resident Evil 5". El director Paul Anderson retoma la saga con tan poca fortuna que casi resulta una de esas cintas del montón. Al parecer Anderson parece tomar las riendas en esta cuarta parte para darse el gustazo solamente de rodar en 3D. La cinta tiene una estética fiel al videojuego original y nula capacidad para crear lo mínimo que se puede pedir a un producto de estas características, atmósfera y tensión. “Resident Evil” está súper explotado, a más no poder. La película es una mera cacería de zombies putrefactos. El inicio es destacable y parece augurar mejores momentos de entretenimiento. Lo que se desdibuja con el correr de los minutos. Esta cinta sirve de ejemplo para saber que no hacer dentro de guiones fantasiosos. Y es que, realmente resulta impresionante observar cómo se puede hacer algo tan malo argumentalmente hablando.
15.- SHERLOCK HOLMES (GUY RITCHIE).- Una historia más en torno al mítico personaje dirigida por el ex de Madonna, quien ha pretendido reinventar al personaje y lo ha llevado a los extremos del entretenimiento puro. Ritchie aplica los mismos lineamientos de su atractiva "RocknRolla" y le dota de espectacularidad extrema a los golpes y a las tomas de acción, propias de nuestros tiempos y le quita el misticismo y la gracia de un Sherlock Holmes al que con solo pronunciar la célebre frase "Elemental, mi querido Watson" (dejado de lado en esta cinta), provocaba la simpatía general de sus miles de seguidores. Ritchie vende su producto como un comercio banal en donde las piruetas y los golpes lucen tan perfectamente coreografiados que atosigan a muchos espectadores que siguen una trama donde todo es perfectamente previsible. El ritmo es frenético, desde sus inicios, gracias a la onda cómic que le imprime su director, pero pronto ese estilo se vuelve repetitivo hasta llegar a un final mucho más anodino. Eso sí, mis respetos para Robert Downey Jr. porque demuestra oficio y no desentona para nada, le da presencia a un personaje, al que seguramente otro actor con menos talento que el actor de "Chaplin", lo disminuiría ostensiblemente. En definitiva es un film entretenido, pero que no aporta nada nuevo.
LAS MEJORES PELICULAS PERUANAS
Tres películas ocupan este lugar de honor para las cintas nacionales, que en su conjunto, no tuvieron un buen año en la taquilla. Por conceptos y problemas que deben ser analizados crudamente. En todo caso, este 2010, los aplausos se lo llevan:
1.- PARAÍSO (HÉCTOR GÁLVEZ).- Los problemas que enfrentan cinco jóvenes en su paso a la adultez. Los amigos se enfrentan a la alternativa de decidir qué hacer con sus vidas en una sociedad que les ofrece pocas posibilidades. Gálvez plasma en imágenes la dura realidad del pobre, con viviendas precarias y carentes de todo servicio. No hay música de fondo que subraye sentimientos. La tensiones se generan en torno a lo no dicho, a los silencios, a los fuera de campo, a los ruidos del barrio que abarrotan cada secuencia, de constantes pasos arrastrándose en la arena. Una cinta nacional, casi documental, sólida y bien estructurada.
2.- OCTUBRE (DANIEL VEGA Y DIEGO VEGA).- Los hermanos Vega recrean esa Lima pobre y mundana en pleno mes de efervescencia religiosa. Los avatares de un grupo de personas dentro de una Lima caótica al borde del éxtasis. La cámara permanece fija recreando algún gesto o enfocando alguna observación marginal y hasta alguna parte crucial dentro de aquellos rincones mundanos por donde se desarrolla la trama; gracias a ello tenemos una cinta que expresa mucho más de lo que habla. Eso le permite a los Vega el mostrar lo que es innato en este tipo de personajes como es la “viveza criolla” y el “recurseo”. El detalle del billete falso que un prestatario le deja en pago a Clemente y éste lo trata de hacer circular a como de lugar, así como los cuerpos deprimentes y regordetes de las prostitutas con las que frecuenta éste usurero dentro de sus aventuras, pagadas, de cama caracterizan esta extraña cinta nacional que no da razones, que no explica nada, pero que dice mucho solamente mostrando las frustraciones y desventuras de ese puñado de habitantes de una Lima absorbida por personajes solitarios, perdedores y desocupados detallados con brillo y naturalidad.
3.- CONTRACORRIENTE (JAVIER FUENTES-LEÓN).- La ópera prima de Fuentes-León realizada en base al guión del propio director que nos describe los valores morales de cierta sociedad y se permite reflexionar sobre el valor y el coraje por demostrar lo que uno es, sin falsos pudores. La película funciona por la sobriedad con está narrada la historia. Sin aspavientos ni sentimentalismos. Una inteligente manera de mostrar un romance que para los ojos de las demás personas aun es censurable y en pueblos como en el que se desarrolla la historia con costumbres tan arraigadas, se convierte en un acto inmoral y hasta vergonzoso.
LAS PEORES PELÍCULAS PERUANAS
1.- LA VIGILIA (AUGUSTO TAMAYO).- La cinta de Tamayo pretende ser un thriller que acontece, supuestamente, en una noche. No obstante, lo que comienza con una puesta interesante, va desdibujándose con el correr de los minutos al centrar la historia en demasiados detalles misteriosos en medio de persecuciones intrascendentes que en lugar de darle intriga a la trama la va convirtiendo en un argumento inconsistente y plagado de vacíos que nunca fueron resueltos. Si algún acierto debemos darle a Tamayo es en haber escogido bien sus locaciones que a la larga se desperdician por la monotonía y debilidad de los personajes centrales. Por ello, la relación entre los protagonistas es demasiado frágil, no hay un nexo entre la fascinación y empatía que llega a sentir el intelectual por esa chiquilla lumpen que insulta por doquier sin sentido ni atractivo. La película se muestra muy forzada con diálogos que van cayendo en la “jerga” como salida fácil. Una cinta que se centra mucho en las correrías y las persecuciones, pero a la que le falta sentido y peso en la construcción de sus personajes porque no es capaz de proyectar en imágenes, esa carga de emociones que se detalla durante el encuentro de esos dos seres tan antagónicos entre sí, que podrían haber sido mejor aprovechados dentro de un mejor contexto de sus acciones. Para otra vez será.
2.- REHENES (BRUNO ORTIZ LEÓN.- Otra de las tantas historias basadas en el problema del terrorismo y que tan poco fortuna ha tenido cuando ha sido llevada al cine. La débil situación de un minero deambulando por la Costa Verde que es atropellado por la periodista de TV en forma casual, que termina escondiendo en su casa al mencionado sujeto porque este menciona que están abriendo un túnel, y que ella relaciona con el túnel en la residencia del embajador resulta demasiado forzado. La construcción de los personajes apela al burdo estereotipo como forma de abordar las características de casi todos ellos carentes de estilos que justifiquen la forzada coherencia argumental de una historia demasiado simplona y carente de todo interés.
3.- ILLARY (NILO PREYRA).- Un nuevo intento de los realizadores nacionales por abordar, bajo otra temática, el problema terrorista que sacudió el país en los noventa. Nilo Pereyra se enfoca en un tema tan sensible que ya ha dado varios filmes nacionales, todos de irregulares para abajo. Aquí se parte de la relación entre dos hermanas unidas por lazos de sangre, pero desunidas por conflictos familiares. El problema es la escasa fuerza dramática de un guión muy simplista que se queda en el intento. Parece que a Nilo Pereyra la abundancia de subtemas lo terminó por saturar, porque la historia nunca despega como debiera. A ello contribuye que las actuaciones son muy dispares. La idea es buena, pero “Illary” carece de fuerza narrativa que le otorgue tensión y realismo a una propuesta que trata de abarcar mucho, pero que al final no aporta nada. Las referencias al caso Leonor La Rosa, la captura de Abimael Guzmán o la intervención en las universidades, nunca constituyen refuerzo de fuerza para el despegue de esta historia que claramente se queda en el intento. Una pena porque el cine nacional sigue sin ofrecer una propuesta destacable sobre la historia de Montesinos, Sendero y Fujimori. Ya van cuatro películas sobre esta parte de nuestra historia y hasta ahora, nada de nada. La propuesta de Nilo Pereyra interesa como guión, (¿Será por eso que ganó en Conacine?), pero llevado al cine, francamente deja mucho que desear.
MEJORES ACTORES PERUANOS
BRUNO ODAR (OCTUBRE)
La película “Octubre” nos presentó solventes caracterizaciones. Tenemos el caso de Bruno Odar impecable como Clemente un prestamista poco comunicativo. Un ser seco, frío, impávido ante la tragedia de sus eventuales clientes. Tiene el poder del dinero y sabe como tratar a la gente que requiere de sus servicios. En el fondo, el prestamista también forma parte de ese submundo precario e insípido que lo rodea y donde la avaricia, la beatitud, el amor, el egoísmo y la devoción son parte importante dentro de la vida de estos seres. Aplausos también para Carlos Gassols como el padre de Clemente aquel anciano, jubilado, que ahorra dinero y se lo entrega al hijo con el fin de sacar a su anciana novia enferma del hospital y escapar de Lima con la firme idea de que a la ciudad no volverá jamás.
MEJORES ACTRICES PERUANAS
TATIANA ASTENGO (CONTRACORRIENTE)
Tatiana Astengo luce espléndida como “Mariela” en “Contracorriente”. Su buena dupla con el actor Cristian Mercado contribuye a la eficiencia del guión. Astengo logra una interesante caracterización de su personaje. Otra actriz destacada es Gabriela Velásquez, la vecina soltera, que cada octubre muestra su devoción al culto del Señor de los Milagros y que entabla una relación con Clemente cuando descubre en aquella casa a la pequeña niña recién nacida en la película “Octubre”. Velásquez retrata eficientemente la frustración y desventura de aquella mujer sumida por la soledad ante la falta de amor y afecto.
LOS MEJORES MOMENTOS FILMICOS DEL AÑO
1.- BILL MURRAY INTERPRETÁNDOSE A SI MISMO ("TIERRA DE ZOMBIES").- Una cinta irreverente, pero sobretodo muy divertida que se agranda cuando los protagonistas llegan al mismo Hollywood, más explícitamente, a la mansión de Bill Murray, quien se interpreta a si mismo y que constituye el momento más divertido de la cinta por diálogos y excesos dentro de esa ciudad poblada por zombies. Sin duda, la presencia de Murray en la cinta es memorable porque está increíble, autoparodiándose, volviendo a sus orígenes. Y es que, aunque, sólo sea un “cameo”, su aparición es enorme. Murray merecía más minutos. Estamos seguros que George A. Romero también habría gozado a rabiar con esta sencilla, pero monumental obra hilarante del subgénero zombie. Que lo muertos vivientes, resuciten ¡por favor!…
2.- ELI TOCANDO LA VENTANA DE OSKAR SUSURRANDO "DÉJAME ENTRAR", ("CRIATURA DE LA NOCHE").- Eli anhela a Oskar pero se contiene para proteger al amado niño que con los ojos le corresponde no sólo con ternura sino con lealtad. El tocar la ventana de su hogar es más que suficiente para demostrarle que sin él, la vida no tiene sentido. El susurro de “Déjame entrar” sugiere un sentimiento de amor, protección y cariño.
3.- EL MOMENTO EN QUE ANDY SE DESPIDE DE TODOS SUS JUGUETES (“TOY STORY 3").- Andy ingresa a la universidad y sus juguetes se van tener que guardar dentro de un baúl. Pero surge lo imprevisto. Al final el joven comprende que esos juguetes son más que simples objetos de entretenimiento. Forman parte de una vida. Esa niñez que ya no volverá. Y que mejor que dejarlo a alguien, que sienta, que quiera y que piense que los juguetes son más que simples juegos. Al fin y al cabo la mejor herencia es mantener ese sentimiento en alguien que sienta igual que uno mismo. Por eso el momento del adiós de Andy con sus entrañables juguetes rebasa todos los límites de sensibilidad porque detalla el paso de la niñez a la adultez, cuando los juguetes se convencen que no han sido abandonados y se produce ese sentido de compatibilidad entre Andy y su pequeña vecina, centrándose en la grandeza del joven de ceder sus "tesoros", especialmente, "Woody", a la niña, con la certeza de que ella no lo maltratara y lo querrá tanto o más que él. Un momento memorable.
4.- OSKAR Y ELI VIAJANDO EN TREN. CON ELI DENTRO DE UNA CAJA EMITIENDO LA PALABRA "BESO" EN CÓDIGO MORSE CON PEQUEÑO GOLPECITOS, Y OSKAR RESPONDIENDO CON LA MISMA PALABRA, ("CRIATURA DE LA NOCHE").- La historia de amor entre un adolescente y un vampiro rebasa todo los límites de lo extraño a lo misterioso, de lo real a lo irreal. El que Oskar y Eli viajen juntos y se profesen cariño y unión simplemente con gestos y signos, detalla y encierra los misteriosos parajes que existen en el sentimientos de la personas. No hay palabras para describir lo que podría suceder si ello alguna vez se pusiera en práctica en nuestra vida misma.
LAS INCOMPRENDIDAS DEL AÑO
EL ORIGEN (CHRISTOPHER NOLAN)
PRECIOSA (LEE DANIELS)
Este año tres son las cintas que dividieron a crítica y público. Primero “El Origen”, catalogada por muchos como uno de los mejores estrenos de año, mientras para otros fallida y decepcionante. Sin dejar de agregar que puede ser una de las protagonistas en los próximos Oscar. Lo cierto es que la última realización de Christopher Nolan es visualmente atractiva, pero puede llegar al hartazgo si es que no logras desentrañar ese guión lleno de pasajes laberínticos en la que se detallan varios escenarios a la vez, creando un confuso e increíblemente sofisticado mundo extraño y lleno de paradigmas. Nolan ha hecho que el publico se sienta cómodo, con una pieza épica de entretenimiento que en última instancia, se siente tan simple precisamente por toda su complejidad, e inspira y emociona de la misma manera como muchos otros éxitos de taquilla de puro espectáculo. Si algo habría que reprocharle a Nolan es que dedica media película a explicar las normas de sus sueños y a explicar cómo entrar al limbo y cómo salir de ella. Y así resta minutos al complejo central del tema y hace que muchos nos "perdamos" en ese limbo infinito, a ese laberinto intermitente que Nolan con sus explicaciones, las vuelve eternas. Puede que "El Origen" no sea una obra maestra, pero no se puede negar que posee la idea más original en años gracias a un guión muy difícil de escribir, pues debía hacer comprensible un tema harto difícil de entender. Esto, junto con la maestría narrativa de Nolan, las interpretaciones, (especialmente Leonardo DiCaprio), que son bastante buenas, además de su estupendo diseño visual, hacen de "El Origen" una cinta arriesgada, atrevida que origina desconcierto y hasta curiosidad, todo en medio de una banda sonora increíble.
Otra de las cintas incomprendidas constituye “Preciosa” que produce agrado como desagradado, en parte iguales. Pero, ¿es "Preciosa" una película lo suficientemente buena como para un reconocimiento? La cinta muestra crudamente la vida suburbial de Nueva York, en el Harlem, mostrando la dificultad de vivir por esos barrios decentemente. Tiene una historia trillada, tantas veces vista y digna de cualquier folletín melodramático que pulule por ahí. Sin embargo lo más destacado y que a la vez son el soporte del film, son las interpretaciones de Gabourey Sidibe quién hace de "Preciosa" un personaje muy creíble, como si hubiera vivido su aterradora vida en sus propias carnes, y eso para un debut es un gran trabajo. Pero, la interpretación más lograda de la película no se encuentra en su protagonista, sino en su soporte secundario, Mo'Nique, que interpreta a una madre desnaturalizada, que no solo se limita a maltratar a su hija tanto física como psicológicamente, sino que cuando necesita aprovecharse de ella, lo hace. Todo un ser despreciable e hipócrita. La película es dura, tiene buenos momentos estremecedores y logrados, pero tiende a ser la típica cinta para llevarse muchos premios, llena de tópicos que podrá ser sobrevalorada, melancólica, empalagosa, pueril y hasta chabacanamente trágica. Pero hay algo innato que la hace sobresalir y son las inmejorables actuaciones. ¿Qué no es suficiente? Efectivamente, pero el cine está hecha para divisiones y debates. A nosotros, con todo lo negativo que fluye por sus cuatro costados, simplemente nos gusta.
Este año nos llegó una nueva cinta de Pedro Almodóvar. Se trata de "Los abrazos rotos". El director español deja de lado los personajes pintorescos e intenta explorar otros recursos como el melodrama sentido que conlleva al sentido opuesto del amor y a su autodestrucción. No contento con ello Almodóvar detalla lo que es para él un “Cine dentro de otro Cine” y repasa algunos grandes momentos del celuloide agregando algunas pinceladas "almodovarianas". Lástima que el guión adolezca de un mejor desenlace en su trama, sobretodo en su última hora. La cinta de Almodóvar asume riesgos al contar varios géneros (melodrama, thriller y cine negro) dentro de una historia que busca crear suspenso y hasta sorprender, no obstante cae en el recurso trillado y en la manera fácil de cerrar una historia que daba para más. No obstante hay que agradecerle a Almodóvar su disposición a asumir esos riesgos que en otros tiempos, tal vez, no los habría asumido.
LAS MEJORES ACTRICES
Este año las palmas se le lleven cinco grandes actrices. En primer lugar y, por encima de todas, se encuentra Mo'Nique, quién en “Preciosa”, interpreta a una madre desnaturalizada, despreciable e hipócrita que no solo se limita a maltratar a su hija tanto física como psicológicamente, sino que cuando necesita aprovecharse de ella, lo hace. De esta película, Mo'Nique será lo que pasará a la historia, pues se ha convertido entre elogios, nominaciones, y triunfos, en una de las mejores secundarias del año. Otra actuación destacable es la de Gwyneth Paltrow como una bella y sensual vecina con un halo de misterio que parece no encajar en el aburrido barrio donde vive en “Los Amantes”. Paltrow parece dejar esa interpretación "boba y dulzona" que imprime en cintas como "Iron Man" y aquí ofrece una actuación más que destacada. Cierran este rubro de sólo grandes, Vera Farmiga y Anna Kendrick, como las contrapartes femeninas de George Clooney en la memorable “Amor sin escalas”, la pequeña Lina Leandersson personificando a una adolescente vampiro en “Criatura de la noche” y la gran Julianne Moore como la incondicional amiga en “Un hombre solo”.
LOS MEJORES ACTORES
Lejos, este año, el mejor es Nicolas Cage por su gran interpretación de policía corrupto en “Enemigo Interno”. Sus inquietantes alucinaciones, su turbulento carácter y su rostro de perdedor atormentado, lo elevan al mejor Cage, que no veíamos en años. Le siguen, un sorprendente, Joaquin Phoenix en “Los Amantes”. El momento en que Leonard le declara su amor a Michelle en la azotea del edificio, es una buena demostración de la calidad interpretativa de Phoenix. Jesse Eisenberg en “Red Social” acapara la atención por su lograda caracterización del genio de la programación, Mark Zuckerberg. Le siguen Ben Affleck por “Atracción Explosiva”, Ricardo Darín como Benjamín Espósito, el empleado de un Juzgado Civil de Buenos Aires en “El Secreto de sus ojos” y cierra la lista, Justin Timberlake, convincente como Sean Parker, creador de Napster y “asesor” de Zuckerberg durante la primera etapa de Facebook en “Red Social”.
MENCIONES HONROSAS
Varias películas se llevan los aplausos este año, dentro de este rubro. “Invictus”, la película del viejo Clint Eastwood quién se sienta en el sillón del director y dirige una película oscura e intima que se muestra espectacular cuando presenta la preparación de un equipo de rugby hasta la confrontación final relatado en un guión que se muestra tímido en varios pasajes dejando traslucir varios vacíos durante algunas partes de su historia. No es el mejor Clint, pero el maestro se las ingenia para colocar su firma con sobriedad. Tenemos también “La isla siniestra” de Martin Scorsese. Una inquietante historia de misterio e intriga psicológica que transcurre en una isla fortaleza que alberga un hospital para criminales trastornados. Una película que entretiene pero no sorprende, que reconforta pero no estimula, una producción técnica de primera que está cargada de efectos propios del suspenso y del thriller para que conlleve a la mente del espectador hacia esa convicción por lo misterioso y lo alucinante. Es justo mencionar en este rubro a la saga de “Rec 2” una secuela que tuvimos oportunidad de ver este año. Una cinta que logra sumergir al público en la trama gracias a sus bruscos movimientos de cámara que aumentan más la tensión y dotan de mayor realismo y pavor todo lo que sucede en el claustrofóbico vecindario barcelonés. De la misma línea tenemos las dos logradas películas de “Actividad paranormal” que permitió al público reencontrarse con ese terror, tan ausente en los últimos años. Una cinta cuyo mérito radica en haber logrado elevar la tensión en el espectador gracias a imágenes simples, pero contundentes. Aquí no hay actuaciones, ni efectos especiales ni puesta en escena monumental. Simplemente una cámara que va grabando el proceso y las consecuencias con lo sobrenatural. Una atractiva cinta de terror que, de alguna manera, revitaliza al género porque no se necesita de gran cantidad de efectos especiales, para poder trasmitir miedo e inquietud. Cerramos nuestras menciones honrosas con la atractiva, “Permiso para matar” de Antoine Fuqua, un interesante policial que va diseccionando de a poco a sus tres personajes principales, todos ellos policías que deben luchar con sus conflictos internos. Una historia que retrata las características de estos personajes desesperados por diferentes motivos, todos tienen sus complicaciones y conflictos, y ninguno sabe si trabaja para Dios o para el Diablo, con lo que se ven en situaciones en las que deben actuar para encontrar sus satisfacciones y sus redenciones. La decisión no sobre lo bueno y lo malo, sino sobre lo más correcto, es finalmente la que protegerá sus vidas y la de sus más cercanos.
CIRCUITO CULTURAL
El circuito cultural siempre es bienvenido porque posibilita acceder, cuando hay tiempo, a algunos buenos títulos que, por obvias razones, no hay posibilidad de verlo en el circuito comercial. Mención aparte constituye el Festival de Lima, que siguió consolidándose como el cine alternativo perfecto para satisfacer a todo tipo de público. Este año la ganadora resultó “Hotel Atlántico” de Suzana Amaral (Brasil) que no fue del todo aceptada. Eso sí, como siempre, el Festival de Lima nos dejó muy buenos títulos a tomar en cuenta, por si deseas verlo en DVD además de alguna u otra película que tuvimos oportunidad de apreciar en el ya querido CCPUC de la Católica. Estas fueron nuestras preferidas este año.
1.- Carancho Pablo Trapero
2.- La casa muda, Gustavo Hernández
3.- La visita de la banda, Eran Kolirin
4.- Cuscús, Abdllatif Kechiche
5.- "El Ojo del Canario", Fernando Pérez
EL DVD DEL AÑO
El DVD continúa siendo la alternativa casera para los cinéfilos. Su salida del mercado está supeditado al auge de Blu-ray Disc, que aún no termina consolidándose, en parte a sus excesivos precios, que es de esperar baje en un par de meses más. Lo cierto es que ya estos productos se vienen comercializando en Lima aunque su costo aún sea inalcanzable para las mayorías. Paciencia ya el DVD pronto pasará a mejor vida. Este año nuestro favorito en DVD fue el estreno comercial de Toy Story 3 y “Atracción peligrosa” por su maravillosa experiencia visual y sus amplios contenidos adicionales. Si puedes adquirirlo en Blue Ray es mucho mejor. No se la pierdan.
Finalmente como cada año hacemos llegar nuestro agradecimiento a las distintas distribuidoras por su valiosa colaboración a lo largo de este año 2008. Mis especiales agradecimientos a todos, pero en forma especial a UIP, Delta Films y Andes Films por mantenernos siempre informado sobre los estrenos de sus respectivas casas distribuidoras.
Textos y edición: Richard Manrique.
Diseño y estilo: Karen Martínez.
Envío de los lanzamientos en DVD desde Miami: Silvana Maldonado.
Agradecimiento especial a todos aquellos que por su invalorable empeño lograron que este espacio siga un año más como fuente de consulta. Así como a Gustavo Gutiérrez quien este año colaboró eficientemente con todos nosotros.
Hasta el próximo 2011 con otro recuento anual de nuestro querido mundo cinematográfico.
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