OSCAR 2011: "EL ARTISTA" SE LLEVA LOS PREMIOS PRINCIPALES PERO EMPATA CON “HUGO CARBET”

El actor Jean Dujardin agradece a los miembros de la Academia el haberlo elegido como el Mejor Actor del Año. Dujardin fue el protagonista de "El Artista", película que se llevó los máximos premios en la Gran Noche del Óscar. (Fotos: Academy Award).

Lima, 26 Febrero 2012, (Por: Richard Manrique Torralva / El Informante).- En una época de cambio para el cine donde el 3D y el digital invaden la cinematografía mundial, la cinta muda "El Artista" del director francés Michel Hazanavicius se llevó el máximo galardón en la noche de los Óscar que tuvo muy poco que destacar en cuanto a producción.

"El Artista" se colocó como la ganadora de la noche, al llevarse el premio en la categoría de mejor película, además de otros dos importantes, entre ellos Mejor Director y Mejor Actor. Además de Mejor Vestuario y Música Original. Lo cierto es que finalmente terminó empatado en el cómputo final con "Las invención de Hugo Carbet" que obtuvo igualmente cinco estatuillas, pero en categoría denominada menores.

Meryl Streep y Jean Dujardin son los mejores actores del año y se llevaron sus respectivas estatuillas a sus casas.

"El Artista", llegó con 10 nominaciones, una menos que la obra de Scorsese, que, al tener la mayoría de postulaciones, se presentaba como su principal contrincante. Lo cierto es que la cinta de Scorsese, que curiosamente hace un homenaje a los primeros años del cine en Francia, tuvo que conformarse con empatar en número de estatuillas a la triunfadora. La mayor parte de los galardones del filme de Scorsese fueron en el área técnica.

El Óscar a Mejor Director fue para Hazanavicius quien obtuvo su primer Óscar, a pesar de ser debutante en esta ceremonia, mientras que para Scorsese constituyó su sexta derrota en esa categoría. Solo en el 2006, por Los Infiltrados, Scorsese logró abrazar la estatuilla dorada.

LOS PREMIOS

Octavia Spencer y Christopher Plummer recibieron el Óscar por ser los mejores actores de reparto.

Tom Cruise fue quien abrió el sobre de la película del francés Michel Hazanavicius, quien le dedicó el premio a un maestro del cine como Billy Wilder. Recordemos que ya antes el director español, Fernando Trueba hizo lo mismo en 1994 cuando ganó el Óscar a Mejor Película Extranjera por "Belle Epoque".

Luego de ello, Hazanavicius también le dedicó unas palabras a su musa inspiradora. “Tú lo inspiraste. Te amo”, le dijo el director francés a Berenice Bejo al recibir el galardón, el cual le dedicó. La actriz, quien coprotagonizó la cinta, es la esposa del cineasta.

Por su parte, Meryl Streep obtuvo su tercer Oscar como Mejor Actriz protagonista, justo en su 17ª nominación, y no le ha importando que toda América estuviera pensando (según su discurso): "Oh no, ella otra vez". Mientras Octavia Spencer obtuvo el Óscar a la Mejor Actriz de Reparto por Historias cruzadas y Christopher Plummer al Mejor Actor de Reparto por Beginners.

LOS MEJORES MOMENTOS DE LA NOCHE

Jean Dujardin y Meryl Streep se felicitan mutuamente durante la ceremonia, mientras Sacha Baron Cohen hizo de las suyas en la alfombra roja.

Es cierto la alfombra roja constituye la oportunidad para conocer algo de los actores y sus impresiones, a la par de saber como van vestidas las actrices. Lo cierto que lo mejor de esos momentos no fue la frivolidad de siempre sino las carcajadas y las murmuraciones que provocó Sacha Baron Cohen quien contra todo pronostico acudió a la Ceremonia vestido de militar dictador con una hurna de cenizas y con la foto de Kim Jong Il. El actor trató de esparcir cenizas de la urna por la alfombra, momento en el que fue abordado por los miembros de seguridad de la gala. Pese a que se le advirtió que no lo hiciera, Cohen acudió a la ceremonia y aunque ingreso al evento se le advirtió que no sería bien recibido. Cohen apareció vestido como el General Aladeen, que interpreta en su próxima película, “El dictador”.

El actor Morgan Freeman fue el encargado abrir la 84 edición de los Oscar dando paso a lo que fue, tal vez, uno de los mejores momentos de la noche. El peculiar ingreso de Billy Crystal parodiando alguna de las películas más destacadas del año. Empezando con el tributo al cine mudo en tono de humor en homenaje a El Artista, también a la película Los Descendientes haciéndose el enfermo y a Medianoche en Paris de Woody Allen metiéndose en el famoso coche de la película junto con Justin Bieber. También parodió Damas en Guerra, La invención de Hugo Cabret, Misión Imposible 4 y Las aventuras de Tintín. El comediante terminó por entonar su clásico estribillo musical que da paso a una satírica canción dedicada a las 9 películas nominadas al premio máximo de la noche.

Uno de los mejores momentos de esa escena la constituye cuando George Clooney aparece en pantalla en una escena de Los Descendientes. Allí Billy Crystal está tendido en una camilla. De pronto el galán de muchas féminas y nominadísimo actor le estampa un beso en la boca al presentador. Así satirizó Crystal a “Los Descendientes”, cinta nominada a Mejor Película.

El maestro Billy Crystal lució algo apagado, pero mostró algo de su genialidad en algunos pasajes de la ceremonia.

A propósito del gran Billy. Tuvo buenos chispazos, pero en líneas generales lució muy apagado. Sin duda la Academia no pierde su glamour y su apego al estilo formal de antaño, lo que imposibilita algunas "bromas" salidas del libreto. Billy estuvo genial cuando parafraseaba el nombre del teatro. Recordemos que la Academia prohibió que se pronuncie el nombre del teatro, “Kodak”, por tener un litigio con dicha firma que hace unos meses se declaró en quiebra. Lo cierto es que el genial comediante poco bromeó con la política norteamericana como en antaño lo hacía. Apenas hablo algo de la crisis actual norteamericana: "No hay nada mejor que ver a un montón de millonarios dándose premios para olvidarnos de la crisis", además de bromear con las edades de Max von Sydow y Christhopher Plummer, con 84 y 82 años cada uno, y ambos nominados.

Entre los discursos más sentidos de la noche destacó el de Octavia Spencer, que al recoger su estatuilla a mejor actriz de reparto no paró de sollozar en el escenario. Mientras Christopher Plummer, con 82 años se convirtió en el actor más longevo en recibir un Óscar: el de mejor actor de reparto. A la par tuvo un discurso muy celebrado.

La rana René y la cerdita Peggy fueron los presentadores de un espectáculo de lujo, y es que el show del Cirque du Soleil fue espectacular: Trapecistas, espectadores ilusionados, palomitas, acróbatas y bailarines con imágenes clásicas del cine a sus espaldas dieron realce a la ceremonia. Cincuenta artistas internacionales, bajo la dirección musical de Danny Elfman, protagonizaron el espectáculo circense. "Me ha dado un calambre sólo de verlo", dijo Billy Crystal al final de dicha presentación.

Otro momento único fue ver a una impresionante Angelina Jolie vestida de negro y con una abertura que mostraba su bien torneada pierna (para beneplácito de sus fans). Ella otorgó el premio al Mejor Guión Adaptado, que cayó en manos de Alexander Payne por Los Descendientes. Payne señaló que se lo dedica a su madre “tal como lo hizo en el pasado Javier Bardem”. Jolie también otorgó el premio para el Mejor Guión Original...y fue para ¡Woody Allen! por Medianoche en Paris. El gran director de cine, como ya es costumbre, no es proclive a este tipo de eventos, prefiere tocar su clásico clarinete que asistir a la ceremonia. Recordemos que solamente asistió a una, en 1999 para un número musical y después nunca más se le vio.

Los comediantes Will Farrel y Zach Galifianakis presentaron el premio a Mejor Canción Original, no perdieron la oportunidad para hacer sus propios números cómicos. Pero no lograron tanto efecto como los de Crystal, aunque el maestro de ceremonia haya estado de los más apagado, sus chispazos eran ocurrentes.

La gran Meryl Streep fue una de las más ovacionadas. No es para menos en 17 nominaciones al premio lleva ya ganado tres. Una grande, sin duda.

La película iraní “A separation”, la favorita para el galardón, se llevó el premio a Mejor Película Extranjera y su director ofreció un emotivo discurso. “En este momento estamos en una guerra de intimidación en mi nación y el nombre de mi país, Irán, se menciona por fin por su valiosa cultura que está subyugada bajo el peso de la política”, dijo el director del filme ganador. Sandra Bullock fue la encargada de dar el nombre de la película ganadora. La actriz presentó el premio en alemán y luego en chino mandarín.

Rango, la película de Gore Verbinski, ganó el Óscar a la Mejor Película Animada del año, dejando en el camino a la cinta protagonizada por Antonio Banderas y Salma Hayek, Puss In Boots, y la cinta de Fernando Trueba, Chico y Rita.

Lo cierto es que los hispanos no tuvieron suerte, este año, en los Oscar. Y es que, ni los mexicanos Demián Bichir y Emmanuel Lubezki, ni la argentina Bérénice Bejo, ni los brasileños Carlinhos Brown y Sergio Mendes, ni los españoles Fernando Trueba y Javier Mariscal, así como Alberto Iglesias, tuvieron suerte en una ceremonia con escasas sorpresas.

Los homenajeados este año en los Óscar. El gran James Earl Jones, Oprah Winfrey y Dick Smith.

Estos son los ganadores del Óscar 2012:

Mejor película: El Artista.
Mejor director: Michel Hazanavicius (El Artista.).
Mejor actor: Jean Dujardin (El Artista.).
Mejor actriz: Meryl Streep (La Dama de Hierro).
Mejor guión original: Woody Allen, por Medianoche en Paris.
Mejor guión adaptado: Los descendientes.
Mejor actor secundario: Christopher Plummer (Beginners).
Mejor cortometraje: The Shore.
Mejor corto documental: Saving Face.
Mejor corto animado: The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore.
Música original: Ludovic Bource, “The Artist”.
Canción original: “Man or Muppet” de “Los Muppets”, Bret McKenzie.
Mejor documental: Undefeated.
Mejor película de animación: Rango.
Mejor edición: La Chica del Dragon Tatuado.
Mejor edición de sonido: La invención de Hugo Cabret.
Mejor mezcla de sonido: La invención de Hugo Cabret.
Mejor fotografía: La invención de Hugo Cabret.
Mejor actriz secundaria: Octavia Spencer (Vidas Cruzadas).
Mejor película extranjera: Nader y Simin/A Separation (Irán).
Mejor maquillaje: La Dama de Hierro.
Mejor vestuario: El Artista.
Mejor dirección de arte: La invención de Hugo Cabret.
Mejores efectos visuales: La invención de Hugo Cabret.

El gran George Clooney uno de los más ovacionados durante su presentación en la alfombra roja, previo a los Óscar. (Fotos: Academy Award).

"NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS" FUE LA GRAN TRIUNFADORA DE LOS PREMIOS GOYA

Los ganadores de la película No habrá paz para los malvados, la gran triunfadora de la 26ª edición de los Premios Goya. (Fotos: Agradecimiento a la Academia Española).

Madrid, 22 Febrero 2012, (Especial para El Informante Perú).- La película No habrá paz para los malvados fue la gran triunfadora de la 26ª edición de los Premios Goya, considerados los Oscar del cine español, con seis galardones, incluidos mejor película y mejor director, relegando a La piel que habito de Pedro Almodóvar que partía como la favorita.

El thriller de Enrique Urbizu consiguió seis premios, entre ellos el de mejor película, director y guión original. La piel que habito, cuatro, el mismo número que Blackthorn. Sin destino. Mientras, Jose Coronado y Elena Anaya, fueron considerados los mejores actores del año.

El director de la cinta, el vasco Enrique Urbizu, de 49 años, autor de películas como Cachito (1995), La caja 507 (2002) y La vida mancha (2003), recogió emocionado la estatuilla de manos de los cineastas Isabel Coixet y Álex de la Iglesia.

Jose Coronado el mejor actor del año en España por la película No habrá paz para los malvados.

En la gran noche del cine español, No habrá paz para los malvados hizo doblete con el Goya a la Mejor Película y Mejor Dirección, reconocimientos a los que sumó el de mejor guión original –firmado por Michel Gaztambide y el propio Urbizu-, montaje –Pablo Blanco- y mejor interpretación masculina protagonista, que tuvo como destinatario a Jose Coronado, a quien meterse en la piel de Santos Trinidad le valió su primer Goya.

En total fueron seis Goya para No habrá paz para los malvados, cuatro para La piel que habito -mejor actriz, actor revelación, música original y maquillaje y peluquería- y Blackthorn. Sin destino obtuvo cuatro –fotografía, dirección artística, dirección de producción y diseño de vestuario-, tres Goya obtuvo La voz dormida –actriz de reparto, actriz revelación y canción original- y Eva –dirección novel, actor de reparto y efectos especiales- y dos recibió Arrugas –mejor película de animación y mejor guión adaptado-. Con este último premio, se rompió el tabú de que las cintas de animación solo podían ganar en su categoría, como apuntaron sus responsables.

Elena Anaya y María León, Mejor Actriz y Mejor Actriz Revelación en los Goya 2012.

El palmarés se completó con The Artist como mejor película europea y Un cuento chino como mejor película iberoamericana. Ricardo Darín, el protagonista de esta coproducción hispano-argentina, fue el encargado de anunciar este premio que recogió el productor español Gerardo Herrero, quien señaló la necesidad de una televisión pública de calidad “si no este país será de segunda división”.

La piel que habito se alzó con cuatro de los 16 galardones a los que aspiraba. Además, Antonio Banderas volvió a quedarse, por cuarta ocasión, sin el ansiado Goya a mejor actor protagonista, que fue a parar a manos de José Coronado por su papel de policía corrupto en la multipremiada No habrá paz para los malvados.

LA REACCIÓN DE ALGUNOS GANADORES

Las bellas de siempre se hicieron presente en los Goya. Nuestra recordada Angie Cepeda, la gran Pilar López de Ayala y la hermosa Salma Hayek, durante su paso por la alfombra roja.

Las sensaciones de los ganadores no se hicieron esperar. El primero en subir al estrado fue Lluís Homar. Emocionado por su primer Goya, el mejor actor de reparto por Eva. El actor se acordó en sus agradecimientos de todos, desde el director hasta de los auxiliares de todos los departamentos.

No hubo sorpresas en el galardón a la mejor actriz revelación, que también se estrenó en recoger Goyas por La voz dormida. La sevillana se lo dedicó a Benito Zambrano, a su familia, a su hermana cinematográfica, Inma Cuesta, a Pepita Patiño, la mujer en el que está inspirado su personaje, “y a todas las Pepitas del mundo por ser mujeres valientes, generosas, que han conseguido perdonar pero no olvidar”.

En su versión masculina, se llevó el Goya a casa Jan Cornet por su papel en La piel que habito. Tras agradecer a Pedro Almodóvar “el regalo que me ha hecho”, y a Antonio Banderas “por estar a mi lado en todo momento”, Cornet pronunció el nombre de Juan Carlos Corazza, “mi maestro”.

Elena Anaya y María León, Mejor Actriz y Mejor Actriz Revelación en los Goya 2012.

Muy contenido, Andrés Santana ganó el Goya a la Mejor Dirección de Producción por Blackthorn. Sin destino, y compartió el trofeo con todo el equipo “que tuvo que aguantar con oxígeno 4.000 metros de altura en el altiplano boliviano”.

Volvió a hace buena su condición de favorito el músico Alberto Iglesias, que ganó su décimo premio, todo un récord, por una película de Almodóvar, “la persona que me ha llevado a querer esta profesión”. El compositor podría ampliar su galería de reconocimientos con el Oscar, al que es candidato por la banda sonora de El topo.

Era una de las favoritas, y a la tercera fue la vencida. Ana Wagener se alzó con el Goya a mejor actriz de reparto por La voz dormida y se lo dedicó a “aquellos que se dedican a desenterrar memorias olvidadas y voces dormidas, a pesar de que tengan que pagar un precio alto por ello”.

Arrugas es la primera obra animada con dos goyas. Y Paco Roca, Premio Nacional de Cómic en España por la historieta homónima en la que se basa la película, celebró este especial momento luciendo traje –“no me lo ponía desde la Primera Comunión”-. Y Ángel de la Cruz, uno de los guionistas de esta animada cinta, se lo dedicó a dos hermanos que cuidan de su madre que, como los protagonistas de esta historia, sufre alzhéimer.

Su nombre aparecía en todas las apuestas. Kike Maíllo, por su opera prima, Eva, conquistó tres estatuillas e hizo prometer a la niña de su película, Claudia Vega, que iba a estudiar. "Yo no sé si es mucho o poco, pero gracias a estudiar estoy hoy aquí. Primero en colegios públicos maravillosos, si públicos, y luego en la ESCAC, la escuela de cine en la que aprendí todo lo que sé de este negocio”, guiño que arrancó los aplausos de los presentes. Maíllo también le dijo a su abuelo que ahora “ganamos mundiales y hacemos películas de robots. A España ya no la conoce ni la madre que la parió".

Melanie Griffith y Antonio Banderas, el gran Pedro Almódovar y la grande Marisa Paredes junto a Antonio Resines durante su paso por la alfombra roja.

Reivindicativa, Isabel Coixet hubiera preferido no hacer el documental Escuchando al juez Garzón y que no se hubieran producido los tres procesos contra el magistrado. “A Garzón se le podrá apartar de la Justicia, pero nada ni nadie podrá apartar de la justicia a Garzón”, apostilló la cineasta, que no se olvidó de María Garzón, la hija del juez, cuando recogió el que es su cuarto Goya.

Se enfrentaba a Antonio Banderas, Luis Tosar y Daniel Brühl y, aunque su corazón le decía que quería oír su nombre, su cerebro pensaba en “Antonio y Luis”. Jose Coronado se emocionó tanto cuando supo que era el mejor actor “que se me ha saltado el botón del esmoquin”. Dijo que iba a dormir con el Goya que le habían dado por encarnar a Santos Trinidad.

Mientras Coronado se llevaba el Goya a su casa, Banderas, siempre generoso con sus colegas, aplaudió calurosamente la elección del actor. “Sabía que no iba a ganar. He estado supertranquilo”, declaró el internacional malagueño, que no asistía a la gala de los Goya desde 2005. “La Academia no está en deuda conmigo. He sido cuatro veces finalista a los premios y tengo la Medalla de Oro. Yo le debo a la Academia, de la que todos formamos parte”, apostilló el conocido actor, director y productor, que en septiembre dará vida a su compatriota Pablo Picasso a las órdenes de Carlos Saura.

Por su parte, Elena Anaya no se separaba de su Goya a la mejor actriz, galardón en el que se impuso a Verónica Echegui, Inma Cuesta y Salma Hayek, que se sabía “perdedora, pero encantada de estar junto a estas tres actrices”.

Y Almodóvar, que cantó en el número musical con el que comenzó la gala, aplaudió a Anaya, una de las actrices “sufridoras” de la noche. A los actores les tocó el papel de “malos”. Palabra de Eva Hache.

BLACKTHORN: SIN DESTINO, PELÍCULA EN LA QUE PARTICIPÓ MAGALY SOLIER OBTUVO CUATRO PREMIOS GOYA

Las ocurrencias de Ricardo Darin hicieron las delicias de los presentes. aquí junto a la recordada Angie Cepeda tras la obtención de Un cuento chino, cinta en la que actúa Darín, como la Mejor Película Hispanoamericana.

La película Blackthorn: sin destino, en la que participó la actriz peruana Magaly Solier, dirigida por Mateo Gil y grabada en Bolivia, ganó en las categorías Mejor Dirección de Producción, Mejor Producción de Fotografía, Mejor Dirección Artística y Mejor Diseño de Vestuario.

Blackthorn fue nominada a once premios en total, entre ellos Mejor Película y Mejor Dirección, pero fue derrotada por No habrá paz para los malvados, la gran ganadora de la noche, que obtuvo seis estatuas en total.

Luego de conocerse los premios, Solier publicó en su cuenta de Facebook un mensaje felicitando a Mateo Gil y los realizadores de la película. “Como lo dije antes, para otras nominaciones, estar ya nominado es un gran premio y lograr hacer una película es ya el mejor premio para los que trabajamos en cine. ¡Felicitaciones, Mateo!”, escribió. Blackthorn: sin destino trata sobre el legendario bandido estadounidense Butch Cassidy (interpretado por Sheperd) y su paso por Bolivia.

Belen Rueda, Manuela Velasco, Eva Hache, la recordada Lucia Jimenez y Victoria Abril durante su presentación en los Goya.

LISTA DE GANADORES

-Mejor película: No habrá paz para los malvados.
-Mejor dirección: Enrique Urbizu, No habrá paz para los malvados.
-Mejor dirección novel: Kike Maíllo, Eva.
-Mejor actriz protagonista: Elena Anaya, La piel que habito.
-Mejor actor protagonista: José Coronado, No habrá paz para los malvados.
-Mejor guión original: No habrá paz para los malvados, Enrique Urbizu y Michel Gaztambide.
-Mejor guión adaptado: Arrugas.
-Mejor actor de reparto: Lluís Homar, Eva.
-Mejor actriz de reparto: Ana Wagner, La voz dormida.
-Mejor actriz revelación: María León, La voz dormida.
-Mejor actor revelación: Jan Cornet, La piel que habito.
-Mejor música original: Alberto Iglesias, La piel que habito.
-Mejor canción original: Carmen Agredano por Nana de la hierbabuena, de "La voz dormida”.
-Mejor documental: Escuchando al juez Garzón, Isabel Coixet.
-Mejor dirección de producción: Andrés Santana, Blackthorn.
-Mejor dirección de fotografía: Juan Antonio Ruiz Anchía, Blackthorn.
-Mejor dirección artística: Juan Pedro de Gaspar, Blackthorn.
-Mejor montaje: Pablo Blanco, No habrá paz para los malvados.
-Mejor diseño de vestuario: Clara Bilbao, Blackthorn.
-Mejor sonido: No habrá paz para los malvados.
-Mejor película de animación: Arrugas, Manuel Cristóbal, Enrique Aguirrezabala y Oriel Ivern.
-Mejor película hispanoamericana: Un cuento chino (Argentina), Sebastián Borensztein.
-Mejor película europea: The Artist, Michel Hazanavicius.
-Mejor cortometraje de ficción español: El barco pirata, Fernando Trullols.
-Mejor cortometraje documental español: Regreso a Viridiana, Pedro González Bermúdez.
-Mejor cortometraje de animación español: Birdboy, Alberto Vázquez Rico y Pedro Rivero.
-Mejor maquillaje o peluquería: La piel que habito.
-Mejores efectos especiales: Eva.
-Goya de honor: Josefina Molina.

El equipo de producción completo de Un cuento chino, cinta en la que actúa Ricardo Darín, elegida como la Mejor Película Hispanoamericana.

IDENTIFICAN 365 NUEVAS ESPECIES NUEVAS PARA EL PARQUE NACIONAL BAHUAJA SONENE

Más de una docena de investigadores, entre nacionales y extranjeros, identificaron 365 nuevas especies de flora y fauna que habitaban en el Parque Nacional Bahuaja Sonene en Madre de Dios. Foto: StevenSevillano / WCS / Andre Baertschi.

Lima, 16 Febrero 2012, (El Informante).- Durante un proyecto de investigación realizado por la Wildlife Conservation Society-WCS, más de una docena de investigadores, entre nacionales y extranjeros, identificaron 365 nuevas especies de flora y fauna que habitaban en el Parque Nacional Bahuaja Sonene- PNBS, Área Natural Protegida-ANP ubicada en el departamento de Puno y Madre de Dios.

Las especies nunca antes vistas en el Parque, corresponden a 30 especies de aves (entre ellos el águila blanca y negra, el arbustero negro, faláropo tricolor y cuclillo gris), 2 mamíferos, así como más de 200 mariposas y polillas.

El jefe del PNBS del SERNANP, biólogo Ciprián Aguirre, indicó que la investigación realizada por el WCS representa una inversión económica y logística importante, lo cual ha colaborado determinantemente para la actualización de los registros de diversidad biológica, tanto en las pampas de Health como en la parte del área natural protegida que se ubica en Puno, aún poco estudiado. Asimismo, instó a que se continúe con la investigación científica, con especial énfasis en el Parque por ser un ANP con una importante diversidad biológica a nivel mundial.

Para Julie Kunen, director de la WCS de América Latina “El descubrimiento de aún más especies en este Parque destaca la importancia de los trabajos de conservación en curso en esta región”, además de que “Este parque es realmente una de las joyas de la corona de la impresionante red de América Latina de las áreas protegidas.”

Por su parte, la bióloga Marina Rosales, especialista en diversidad biológica del SERNANP, rescató la importancia de la fauna cubierta. “Con estas nuevas especies tendremos la oportunidad de conocer sus potencialidades directas (para alimentación y medicina) e indirectas (para mantenimiento del ecosistema)”, sostuvo.

El otro gran aporte de este hallazgo es que la afluencia de turistas en la zona podría incrementarse.

Una década de descubrimientos

Desde la década de los noventa la WCS ha trabajado en Tambopata y Bahuaja Sonene, en Madre de Dios, una de las regiones más biodiversas del planeta.

La última década vivió un auge de nuevas especies descubiertas en el Amazonas, resultando en promedio una nueva especie descubierta cada tres días a partir de 1999 al 2009, según la WWF.

JUAN DIEGO FLORES Y CARLOS ÁLVAREZ EN “EL ESPEJO”

El tenor Juan Diego Flores estuvo con Carlos Álvarez grabando una secuencia para el remozado programa cómico El Cartel del Humor.

Lima, 04 Febrero 2012, (El Informante Perú).- El reconocido tenor peruano, Juan Diego Flores se confesó en el set de Carlos Álvarez grabando la secuencia “El Espejo” para el remozado programa cómico El Cartel del Humor.

“Pensé que podía hacer música popular, pero me conquistó la música clásica. Me llegó un cassette de Pavarotti y eso me inspiró a cantar como un tenor”, confesó Juan Diego Flores en el set de Carlos Álvarez.

El tenor peruano también demostró su sentido del humor ante las preguntas inquisitivas de Carlos Álvarez, quien hizo lo posible por imitar al popular cantante. “No tienes el cuerpo de Pavarotti, más bien te pareces a Carlos Álvarez”, dijo Juan Diego, quien habló de su paso de 3 años en el conservatorio antes de saltar a la fama y ser considerado el principal tenor de nuestro país.

Juan Diego dijo extrañar mucho el Perú, ya que viaja mucho, y que no ha perdido la humildad que lo caracteriza. “Extraño mucho Lima. Viajo tanto que ya conozco a las azafatas del avión por su nombre. Hoy me voy a encontrar con algunos amigos de barrio en Barranco. Siempre me doy tiempo para cantar música criolla con ellos también y disfrutar de su compañía. El que se acuerda de sus orígenes nunca pierde sus pies en la tierra”, acotó Juan Diego y dijo no considerarse un divo.

El joven cantante de 38 años está felizmente casado y tiene un hijo. “A los tres años de conocer a Julia le pedí matrimonio cuando estábamos en Times Square (Nueva York). Siempre viajo con ella y Leandro, mi hijo. Él nació en la piscina de una casa en la que nos quedábamos, 25 minutos antes de una función. Canté muy feliz esa vez. Lo que más me conmueve como padre son las risas de Leandro.”

Antes de terminar el sketch, Carlos retó a Juan Diego a cantar “O Sole Mío”. Ustedes podrán juzgar quién interpretó la mejor versión el domingo 12 cuando El Cartel del Humor salga al aire y sólo por ATV.

LESLIE SHAW SE CONFIESA EN “EL DIVÁN DE MARCO AURELIO”

La bella Leslie Shaw estará con Carlos Álvarez en el nuevo programa de verano El Cartel del Humor, que arranca el domingo 12 de febrero por ATV.

Lima, 04 Febrero 2012, (El Informante Perú).- La actriz y cantante Leslie Shaw se confesó en el diván del Dr. Marco Aurelio, interpretado por el cómico Carlos Álvarez.

“Me gusta que me digan ´angelita´ en la intimidad”, confesó la modelo, actriz y cantante ante el personaje caracterizado por el cómico Carlos Álvarez.

Leslie Shaw también habló brevemente de su nueva relación sentimental con el quiropráctico brasileño de nombre Samuel Ramón. Marco Aurelio le preguntó a Leslie si quería a su supuesto nuevo enamorado, a lo que ésta respondió que sí y que él también la quiere mucho, confirmando las muestras de cariño que ella prodigaba en Facebook, en la cual Leslie intercambió mensajes cariñosos con él. “Es lindo dar muestras de cariño por Facebook y cualquier otro medio”, dijo Shaw.

Esta divertida secuencia fue la primera que Carlos y su elenco grabaron para el nuevo programa de verano El Cartel del Humor, que arranca el domingo 12 de febrero con sus nuevas estrellas Melcochita, Giovanna Valcárcel y Cindy Marino, quien tuvo una breve participación en el sketch como modelo en bikini.

Antes de grabar este sketch, el cómico se presentó en el programa +QN de ATV+ con Patricia del Río para promocionar su remozado programa y adelantó que parodiarían la exitosa serie La Reina del Sur y la llamarán La Reina de Surquillo.

SE ESTRENA LA INVENCIÓN DE HUGO CABRET

Este jueves 16 de febrero, se estrena "La invención de Hugo Cabret". Habrá también pre estrenos para este fin de semana. La cinta está nominada al Oscar a Mejor Película.

Lima, 03 Febrero 2012, (Por: Richard Manrique Torralva / El Informante Perú).- Este jueves 16 de febrero llegará a tu sala favorita una de las películas más esperadas de la temporada, se trata de "La invención de Hugo Cabret" nominada a 11 Premios de la Academia. Esta película tendrá pre estrenos este sábado 11 y domingo 12 y estará en los cines desde el jueves 16. Doblada y Subtitulada, en 3D y 2D.

A lo largo de su extraordinaria carrera, el reconocido director, Martin Scorsese, ha llevado su visión única y su habilidad deslumbrante a una serie de películas inolvidables. Sin embargo, el legendario realizador jamás había realizado una cinta de este tipo. Estamos, por ello, ante su primer filme en 3D, basado en el imaginativo éxito de librería de Brian Selzknick, La Invención de Hugo Cabret.

Esta película relata la asombrosa aventura de un niño astuto e ingenioso cuya búsqueda para descubrir un secreto que le dejó su padre transforma a Hugo y a todos los que están a su alrededor y revela un lugar seguro y tierno que pueden llamar su hogar. Hugo, ladronzuelo y guardían de un reloj, vive en el vagón de una estación de tren en París, donde su supervivencia depende de secretos y del anonimato. De pronto su vida dará un vuelco al conocer a una muchacha excéntrica con quien tendrá que resolver un misterio basado en su pasado y afecta el futuro de ambos.

Scorsese ha reunido un impresionante reparto de nuevos talentos junto a respetados actores del teatro y el cine, que incluyen a Ben Kingsley, Sacha Baron Cohen, Asa Butterfield, Chlóe Grace Moretz, Ray Winstone, Emily Mortimer, Helen McCrory, Chistopher Lee, Richard Griffiths, Frances de la Tour, Michael Stuhlbarg y Jude Law.

EL CINE INSPIRA AL AUTOR, EL LIBRO INSPIRA AL DIRECTOR

Creciendo en un sector de la ciudad de Nueva York conocido como La Pequeña Italia en los 1940s y ‘50s, Martin Scorsese encontró una conexión profunda dentro de las salas de cine de esa época, no sólo con la experiencia de ver las películas pero también con un acercamiento a su padre, quien se sentó con él en el oscurecido auditorio, fomentando el naciente amor del futuro cineasta por este tipo de arte. Así cuando el productor Graham King le envió la novela premiada de Brian Selznick, La Invención de Hugo Cabret, al galardonado director le encantó el relato. “En particular, me atrajo la vulnerabilidad del niño solitario,” dice Scorsese. “El hecho que Hugo viva solo dentro de las paredes de esta máquina enorme que es la estación de trenes y que trata de establecer esa conexión con su padre, el cual ha fallecido.”

Scorsese recuerda mucho ese momento, “Me dieron el libro hace cuatro años y al leerlo hubo una conexión inmediata con la historia del niño, su soledad, su asociación con el cine, con la máquinas y la creatividad. Los objetos mecánicos en el filme, incluyendo cámaras, proyectores y robots, hacen posible que Hugo se comunique nuevamente con su padre. Y los objetos mecánicos hacen posible que el cineasta Georges Méliès se relacione otra vez con su pasado y consigo mismo.”

Para intentar replicar la experiencia de moverse a lo largo del mundo creado por Selznick, Scorsese usó un formato cinematográfico distinto. “Como espectadores, no tenemos la ventaja de la literatura, mediante la cual conocemos los pensamientos y sentimientos de Hugo. Pero contamos con su extraordinario rostro y sus acciones y tenemos 3D. Tuvimos que hacer algunos cambios, así que varios elementos del libro se eliminaron pero pienso que ciertas imágenes, particularmente en 3D, cubren tanto territorio que el libro resuena en ellas.”

“Todos los filmes de Scorsese tiene una sensibilidad específica y La Invención de Hugo Cabret no es distinta,” explica el productor King. “La diferencia principal es que esta película no es sólo para espectadores adultos; es para todo tipo de público.”

‘PUEDE SER UNA AVENTURA’: ENCONTRANDO LOS PERSONAJES

Encontrar al niño que interpreta a Hugo fue uno de los retos más grandes de la producción. Él es el centro de la película, aparece en casi todas las escenas y tiene entre 12 y 13 años. Con la ayuda de la directora de selección del reparto Ellen Lewis, Scorsese se decidió por Asa Butterfield, conocido por el filme El Niño con el Piyama de Rayas.

A Butterfield le gustó el misterio inherente del personaje. “Le han sucedido muchas cosas traumáticas; su padre ha muerto y su madre también,” dice el juvenil actor. “Y termina viviendo con su tío en una estación de trenes, haciendo el trabajo de un adulto. Entonces su tío lo abandona con un robot. Así que está básicamente solo hasta que conoce a Isabelle y comienza a salir de su concha.”

El rol de Isabelle es interpretado por la juvenil actriz estadounidense Chloë Grace Moretz, quien ha demostrado su talento en cintas como Kick-Ass – Un Superhéroe sin Superpoderes y Déjame Entrar.

A Chloë le atrajo el aspecto misterioso de la historia pero en un sentido más externo. “Los dos personajes principales tienen 13 años, así que siempre hay algo que quieren descubrir,” asevera la actriz. “Siempre hay algo que están hurgando y espiando; constantemente están tratando de saber qué está sucediendo o cómo funciona algo. En esta película, Hugo e Isabelle espían y estudian a las personas que habitan la estación de trenes.”

Para el personaje clave de Georges Méliès, ‘Papá Georges,’ el director-productor reclutó a Ben Kingsley, con quien trabajó recientemente en La Isla Siniestra.

“Georges tenía la confianza en sí mismo y el carisma de los grandes magos del escenario,” relata Kingsley. “Tuvo que ser muy preciso en la ejecución de sus trucos: cortar personas por la mitad, hacer levitaciones y desapariciones y cosas de ese tipo y en la prestidigitación. Realizó cientos de filmes, así que debe haber sido muy disciplinado. Debe haber sido todo un personaje.”

Una presencia amenazante en la estación de trenes y una constante amenaza a la vida independiente de Hugo es el Inspector de la Estación, un personaje ligeramente modificado de la novela. “”Le preguntamos a Brian Selznick si podíamos ampliar al personaje porque no quería que fuera una figura de miedo, un villano que sólo amenaza e intenta atrapar al niño,” dice Scorsese. “Quise que tuviera más sabor, más facetas y trabajé con Sacha Baron Cohen para encontrar eso.”

“Naturalmente, en cualquier estación de trenes, es peligroso tener niños sin ninguna supervisión,” dice Sacha Baron Cohen. “Así que en los ‘20s y ‘30s, con las condiciones laborales que tenían, si hay niños sin hogar ni supervisión, eso presentaría un peligro para los pasajeros y para los mismos niños. El Inspector de la Estación es este tipo que los niños encuentran horrible y repulsivo pero tiene un lado más dulce en su personalidad. Posiblemente fue un huérfano y además es un inválido que es veterano de la guerra. Está limitado físicamente por un accesorio metálico en su pierna.”

Para que no fuera un villano típico, Scorsese tuvo la idea de que estuviera enamorado y para interpretar al interés romántico del Inspector de la Estación, buscaron a Emily Mortimer, a quien Scorsese dirigió anteriormente en La Isla Siniestra.

El Inspector de la Estación no es la única amenaza que Hugo tiene. En realidad, es llevado a vivir en la estación de trenes por su distanciado tío Claude, un pillo amenazador que rápidamente le delega sus responsabilidades laborales al jovenzuelo y que es interpretado por el actor Ray Winstone, con quien Scorsese trabajó en Los Infiltrados.

Para el rol de Monsieur Labisse, quien tiene una tienda de libros en la estación de trenes, Scorsese finalmente tuvo la oportunidad de trabajar con Christopher Lee, uno de sus actores favoritos.

El actor de 89 años recuerda haber viajado a Francia en 1031. “Me acuerdo muy bien de esas tiendas, los cafés y los restaurantes,” dice Lee. “Para mí, este filme es un poco como regresar al pasado. Mi personaje es una especie de ángel guardián y yo ayudo a estos niños a conocer el mundo a través de la literatura.”

El rol crucial de Rene Tabard, el experto en cine que, gracias a Hugo e Isabelle, redescubre a Méliès y prepara una gala en su honor en la Academia Cinematográfica Francesa, es interpretado por el versátil actor de cine y teatro Michael Stuhlbarg. “Ésta es la tercera vez que Michael y yo hemos trabajado juntos. Apareció en el comercial para la champaña Freixenet que filmé como homenaje a Alfred Hitchcock y también interpreta uno de los roles principales en la serie de HBO Boardwalk Empire, dice Scorsese.

Gran parte del ‘color local’ de la estación de trenes es suministrado por personas que dependen del tráfico en el vestíbulo principal para su sustento y que incluye a la florista Lisette (Emily Mortimer), el vendedor de libros Labisse (Christopher Lee), un caballero que trabaja en el quiosco de periódicos, Monsieur Frick y su vecina Madame Emilie, quien administra el café. Para la (potencial) pareja ligeramente excéntrica, Scorsese escogió a Richard Griffiths y Frances de la Tour, dos de los actores de carácter más destacados del Reino Unido.

Para hacer las veces de Maximillian, el amenazador perro del Inspector de la Estación, se usaron tres Doberman (Blackie aparece en la mayoría de las escenas, con Enzo y Borsalino tras bastidores para reemplazarlo si era necesario). La entrenadora Mathilde de Cagny también supervisó el uso de los perros salchicha de pelo largo (que forman parte del relato de Frick y Emilie), un gato (permanentemente sentado sobre una pila de libros en la librería de Labisse) y varias palomas (que habitan en la torre del reloj).

EQUILIBRANDO LA REALIDAD Y EL MITO: EL PARÍS DE 1931 DE SCORSESE

Para recrear el mundo de París a principios de los 1930s, visto a través de los ojos del personaje ficticio de Hugo Cabret, Scorsese quiso establecer “un equilibrio entre la realidad y el mito.” Para ello trajo a bordo a la investigadora Marianne Bower, quien le dio autenticidad al proceso apoyada en fotografías históricas, documentos y filmes de 1925 a 1931.

Los distintos departamentos creativos vieron alrededor de 180 películas de Méliès, con una duración total de 13 horas, junto con cintas de René Clair y Carol Reed y cine de vanguardia de los 1920‘s y 30‘s. Además vieron filmes de los hermanos Lumieré y cine silente de los 20‘s. Estudiaron fotografías de Brassaï (el fotógrafo húngaro Gyula K. Halász, quien inmortalizó a París entre las dos guerras mundiales) para captar el estilo de las calles parisinas del período y la apariencia y comportamiento de los actores de fondo.

FILMANDO EN 3D

Martin Scorsese pasó sus años formativos asistiendo a las salas de cine al mismo tiempo que el 3D se utilizaba en las películas de todos los géneros. “Fue en 1953 y la primera que vi fue El Museo de Cera dirigida por André de Toth, probablemente la mejor película en 3D que se ha hecho,” dice el director-productor.

Sin embargo, fue un filme estrenado el siguiente año el cual Scorsese dice tiene realmente un efecto duradero sobre la premisa del ‘uso inteligente’ del 3D al servicio de la trama. “La forma como Alfred Hitchcock utilizó el 3D en La Llamada Fatal es brillante,” continúa explicando Scorsese. “En vez de ser un efecto, se relaciona con la historia y usa el espacio como un elemento en la narrativa. Lo que descubrí trabajando con el 3 D es que realza al actor como si estuviéramos viendo una escultura que se mueve. Ya no es plana. Con las interpretaciones y los movimientos correctos, se convierte en una mezcla de teatro y cine pero diferente a ambas. Eso es algo que siempre me ha parecido excitante… siempre he soñado con hacer una cinta en 3D.”

“Los rostros adquieren mayor intimidad en 3D,” agrega Scorsese. “Vemos las personas de una forma diferente. Están más cerca de nosotros. Siento que el 3D ayuda a crear un lazo más fuerte entre los espectadores y los personajes.”

Pero La Invención de Hugo Cabret es sobre mucho más que un niño aventurero en una misión llena de esperanza. También es sobre el descubrimiento y la reafirmación de un verdadero artista de los principios del cine. En escenas retrospectivas, los espectadores ven la trayectoria total de la carrera de Méliès… desde mago a director de cine y luego, vendedor en una tienda.

Para algunas escenas, Scorsese llevó su cámara de 3D en exteriores para agregar mayor autenticidad.

“Como director de cine,” finaliza diciendo Scorsese, siento que todo lo que se ha hecho en el cine hoy en día comenzó con Georges Méliès. Y cuando veo sus películas originales, me siento emocionado y lleno de inspiración porque ellas todavía poseen la ilusión de descubrir 100 años después que se hicieron y porque forman parte de las primeras expresiones de un arte que he amado y al cual he dedicado la mayor parte de mi vida.”

La Invención de Hugo Cabret es producida por Graham King, Tim Headington, Martin Scorsese, Johnny Depp. Está basada en el libro titulado La Invención de Hugo Cabret por Brian Selznick. El libreto es por John Logan y es dirigida por Martin Scorsese.

FICHA TÉCNICA

Película: La Invención de Hugo Cabret
Dirección: Martin Scorsese
Duración: 126 minutos
Estreno en Lima: En cines 16 febrero Pre estrenos 11 y 12
Links: Facebook: http://www.facebook.com/HugoMovie
Premios: 11 Nominaciones al Oscar, incluye Mejor Director, Mejor Película.
Globo de Oro. Ganador al Mejor Director para Martin Scorsese
Actúan: Ben Kingsley, Sacha Baron Cohen, Asa Butterfield, Chlöe Grace Moretz, Emily Mortimer, Christopher Lee y Jude Law.
Sinopsis: Asombrosa aventura en la que se embarca un astuto e ingenioso niño para descubrir el secreto dejado por su padre. Este secreto transformará la vida de Hugo y de las personas que lo rodean revelando un seguro y encantador lugar al que llamarán hogar.

Otros detalles:

La Invención de Hugo Cabret es la primera película filmada por Martin Scorsese en 3D
Johnny Depp es uno de los productores de la película. Él iba a interpretar el papel del padre de Hugo, el mismo que recae en Jude Law, pero tuvo que declinar por compromisos laborales.

El fime está basado en el libro, del mismo nombre de Brian Selzknick. Localmente, la editorial SM tiene los derechos del libro.

La aventura de Scorsese y Hugo se inició cuando el productor Graham King (trabajaron juntos en Los Infiltrados, El Aviador y Pandillas de Nueva York) le envió el libro de Selznick y Marty quedó encantado, así catalogó el momento: “En particular, me atrajo la vulnerabilidad del niño solitario… El hecho que Hugo viva solo dentro de las paredes de esta máquina enorme que es la estación de trenes y que trata de establecer esa conexión con su padre, el cual ha fallecido.”

Scorsese dice más: “Me dieron el libro hace cuatro años y al leerlo hubo una conexión inmediata con la historia del niño, su soledad, su asociación con el cine, con la máquinas y la creatividad. Los objetos mecánicos en el filme, incluyendo cámaras, proyectores y robots, hacen posible que Hugo se comunique nuevamente con su padre. Y los objetos mecánicos hacen posible que el cineasta Georges Méliès se relacione otra vez con su pasado y consigo mismo.”

SOBRE LAS NOMINACIONES AL OSCAR

Tras conocerse la cantidad de importantes nominaciones que ha recibido esta película, el director Martin Scorsese señala, “Me siento profundamente honrado por ser nominado por la Academia por mi trabajo en La Invención de Hugo Cabret. Cada película es un reto, y ésta –en la que trabajé con 3D, HD y Sacha Baron Cohen por primera vez- no fue la excepción. Es un sentimiento maravilloso el saber que has sido reconocido por las personas de la industria. Felicito a mis compañeros nominados. Es una lista impresionante y estoy en excelente compañía”

Las 11 Nominaciones al Oscar de La Invención de Hugo Cabret son:

1. Mejor Película: Graham King y Martin Scorsese (Productores)

2. Mejor Director: Martin Scorsese

3. Mejor Guión (Adaptado): John Logan

4. Mejor Dirección de Arte: Diseño de Producción: Dante Ferretti / Decoración del Set: Francesca Lo Schiavo

5. Mejor Mezcla de Sonido: Tim Fleischman y John Midgley

6. Mejor edición de Sonido: Philip Stockton y Eugene Gearty

7. Mejor Banda Sonora (Original): Howard Shore

8. Mejor Fotografía: Robert Richardson

9. Mejor Vestuario: Sandy Powell

10. Mejor Edición: Thelma Schoonmaker

11. Mejores Efectos Visuales: Rob Legato, Joss Williams, Ben Grossman y Alex Henning.

EL ESTRENO: LA CHICA DEL DRAGÓN TATUADO

Se estrenó "La Chica del Dragon Tatuado", versión norteamericana de la atrapante saga "Millenium". No te la pierdas.

Lima, 03 Febrero 2012,, (El Informante Perú).- Este jueves 02 de febrero se estrenó otra de las atractivas cintas de la temporada. Se trata de "La Chica del Dragón Tatuado" dirigida por David Fincher y protagonizada por Daniel Craig y Rooney Mara quien ha sido nominada al Oscar, este año, por esta película.

La cinta es la versión hollywoodiense de la novela Los hombres que no amaban a las mujeres de la saga Millenium. Craig espera repetir el papel en las próximas dos películas que se hará sobre esta trilogia. Mientras, Mara ha recibido elogios y nominaciones, tanto al Oscar como para el Globo de Oro, gracias a este papel que había llamado la atención de muchas actrices, algunas finalmente retiraron su nombre debido al tiempo y a los bajos salarios.

El director David Fincher desentraña en la pantalla grande el mundo de la novela de suspenso de Stieg Larsson, de resonante éxito global.

El laberinto de la historia contiene asesinatos, corrupción, secretos familiares y los demonios internos de dos inesperados aliados que buscan la verdad en un misterio que comienza hace 40 años. Mikael Blomkvist (Daniel Craig) es un periodista financiero decidido a restaurar su honor tras ser acusado por difamación. Uno de los industriales más ricos de Suecia, Henrik Vanger (Christopher Plummer), lo contrata para investigar la desaparición de su amada sobrina Harriet, pues Vanger sospecha que la asesinó un miembro de su enorme familia, así que el periodista se dirige a una remota isla en la gélida costa sueca, sin saber lo que le espera.

Al mismo tiempo Lisbeth Salander (Rooney Mara), una estrambótica pero sagaz investigadora de Milton Security, recibe el encargo de indagar los antecedentes de Blomkvist, un trabajo que la conduce a unirse a Mikael en su búsqueda del homicida de Harriet Vanger. Aunque Lisbeth se escuda contra un mundo que la traicionó repetidamente, su habilidad como hacker y su inquebrantable determinación, la vuelven invaluable. Mientras Mikael se enfrenta cara a cara con los herméticos Vanger, Lisbeth despeja las sombras en el espacio cibernético. Ellos comienzan a rastrear una cadena de homicidios desde el pasado hasta el presente forjando una frágil hebra de verdad, aunque se ven involucrados en las más salvajes corrientes del crimen moderno.

DETALLES DE LA PRODUCCIÓN

La Chica del Dragón Tatuado presenta la adaptación cinematográfica de la exitosa Trilogía Millennium, escrita por Stieg Larsson, la épica serie de suspenso que ha vendido 65,000,000 de copias en 46 países. Publicada inicialmente en 2005, poco después de la muerte de Larsson, la primera novela, La Chica del Dragón Tatuado, presenta a los lectores al periodista financiero Mikael Blomkvist y a la hacker vengadora Lisbeth Salander.

Con Salander, Larsson creó una heroína distinta a todas las anteriores en el amplio ámbito de la literatura de suspenso, un prodigio punk cuya presencia advierte a la gente que se mantenga lejos, que no interactúa “normalmente” con otros, pero cuyo vínculo personal con las mujeres que han sido violadas deriva en su interés por ayudar a Mikael para resolver la desaparición de Harriet Vanger. Su afán de venganza y su débil asociación con Mikael se convirtieron en la médula de La Chica del Dragón Tatuado y los dos libros siguientes, The Girl Who Played With Fire y The Girl Who Kicked the Hornet’s Nest.

El director David Fincher y el guionista Steven Zaillian se fijaron como objetivo respetar el valiente enfoque de Larsson sobre la corrupción corporativa, social y personal que Mikael y Lisbeth afrontan a medida que profundizan en el enigma de Harriet Vanger. “Lo que más nos interesó fueron estos dos personajes, Blomkvist y Salander, que convirtieron las novelas en un fenómeno cultural”, dice Fincher. “Hay mucho jugo ahí, mucha fricción y enormes posibilidades dramáticas”.

Fincher y Zaillian no intentaron suavizar la dureza de las escenas de brutalidad y venganza del libro. “Nos comprometimos con la importancia de que ésta es una película acerca de la violencia contra las mujeres, sobre clases específicas de degradación y no puedes ser tímido con esto”, afirma Fincher. “Debes lograr un sutil equilibrio para que el público pueda sentir visceralmente la necesidad de venganza, pero también apreciar el poder de las ideas que se expresan”.

Esto es justamente lo que Larsson consiguió con sus novelas, introduciendo a los lectores en los temas de poder corrupto, misoginia, intolerancia, fanatismo, globalización, bienestar social, justicia y veredictos legales mediante los entresijos de la ardua investigación de Mikael y Lisbeth. Rooney Mara, que interpreta a Lisbeth Salander, dice: “Creo que la gente se siente más intrigada por los turbios asuntos subyacentes a la sociedad de lo que está dispuesta a admitir. Le interesan los oscuros secretos que esconden las personas y las sociedades. La Chica del Dragón Tatuado tiene estos componentes mezclados con dos personajes extraños que las personas realmente adoran”.

EL LUGAR

Desde el inicio, David Fincher y Steven Zaillian decidieron mantener la ubicación sueca de Stieg Larsson para La Chica del Dragón Tatuado y no pensaron en cambiar la historia hacia América. “No había forma de trasladarla”, afirma Fincher. “No podrías hacer esta película en Seattle, ni en Montreal. Debía ocurrir en Suecia porque las raíces de la historia son totalmente suecas”.

Sin duda, Larsson invitó a los lectores internacionales a adentrarse en una Suecia que la mayoría no conocía. Aunque los elementos suecos de la democracia social, los paisajes rústicos y el énfasis cultural sobre la funcionalidad son muy evidentes, la trilogía de Millennium también expone claramente las poco conocidas fisuras en la pulida superficie de la nación.

EL AUTOR: STIEG LARSSON Y LA SERIE MILLENNIUM

Stieg Larsson murió de un ataque cardiaco el 9 de noviembre de 2004, a los 50 años, poco antes de que se publicara La Chica del Dragón Tatuado. Cuando el libro empezó a dominar las listas de best sellers alrededor del globo, muchos cuestionaron cómo una novela debutante se podía convertir de manera póstuma en el libro de suspenso más influyente culturalmente en una generación. Pero Larsson no emergió de la nada. Hacía mucho tiempo que era conocido en Suecia como un periodista dedicado a desenmascarar las organizaciones neo-Nazis, de supremacía blanca y extremistas que acechan dentro del tejido europeo. Los mismos temas que representaron su ímpetu como periodista, delitos corporativos, fuerzas antidemocráticas, abuso de poder, violencia contra mujeres, inmigración, xenofobia y racismo, se convirtieron en los tópicos centrales de su serie Millennium. Aunque estos temas no eran desconocidos en el género criminal, fue el énfasis impávido de Larsson sobre personajes normalmente invisibles, sobre la ética, la libertad del individuo y la naturaleza de la venganza lo que resaltó su obra, así como la absoluta amenidad de su narración.

Larsson nació en 1954 como Karl Stig-Erland Larsson; cuando era pequeño vivió con sus abuelos en Norrland, un área abrupta del norte de Suecia, similar a la descrita en La Chica del Dragón Tatuado. (La zona tiene también una sólida tradición de leyendas asociada con muchos afamados escritores suecos). Como niño tuvo la influencia de su abuelo, ferviente antifascista, y de sus padres que eran activistas políticos e instilaron en Stieg una temprana fascinación por la democracia y la política.

También como adolescente Larsson vivió una devastadora experiencia que posteriormente encendería algunos brutales eventos que ocurren en la serie Millennium, como cuenta Kurdo Baksi, su amigo durante mucho tiempo. En diversos artículos Baksi escribió que cuando tenía 15 años, Larsson fue testigo de la violación de una chica joven por una banda, pero no pudo intervenir, lo cual le generó un enojo que duró toda su vida ante la explotación de las mujeres y un deseo, según Baksi, “de hacer algo contra la violencia irracional”.

Después de cumplir su servicio militar obligatorio, Larsson trabajó como corresponsal de Escandinavia para Searchlight, una revista británica antifascista; después fundó Expo Magazine en Suecia para llevar a cabo la misma misión. Acumuló tal experiencia que dictó conferencias en Scotland Yard acerca de cómo los neofascistas usaban el Internet para coordinarse a través de Europa.

Esta parte de la vida de Larsson lo puso en contacto con violentos extremistas, así como con aquéllos encargados de combatirlos, incluyendo brillantes investigadores cibernéticos que serían fundamentales para sus caracterizaciones en la serie Millennium. Larsson también experimentó en carne propia el alto riesgo de sus convicciones morales, pues recibió amenazas de muerte y fue testigo de cómo un colega sobrevivió a un coche bomba. En Expo, Larsson también colaboró en una antología acerca de los asesinatos por honor, que después impulsó su interés para llamar la atención sobre el abuso sistemático de las mujeres, incluso en sociedades tan diversas como Suecia.

Aunque Larsson era desde tiempo atrás admirador de la ciencia ficción y les dijo a sus amigos que esperaba crear una novela de detectives, no fue hasta finales de los 90 que empezó a escribir calladamente una novela de suspenso, mientras vacacionaba o terminaba el trabajo, acerca de las cosas que más le importaban, la cual tituló Men Who Hate Women. (Sólo después, al publicarse en el Reino Unido y Estados Unidos, el libro se retitularía La Chica del Dragón Tatuado, como una oda a la atrayente Lisbeth Salander). La historia gira en torno a dos personajes: el periodista Blomkvist, al parecer un alter ego de Larsson, y Salander, de quien Larsson dijo que la sentía como alguien que nunca se había visto en la ficción criminal, una extraña disfuncional que vive bajo su propio código ético. Así como se parecía a Blomkvist, Larsson también tenía en común muchas cosas con Salander, desde el hábito de fumar hasta una inclinación por la privacidad personal.

Larsson escribió las tres novelas de Millennium como una trilogía completa antes de enviarlas a los editores. El primer editor rechazó los manuscritos. El segundo, Norstedts Forlag, apreció su potencial, aunque nunca pudo prever la forma en la que los libros, y Salander en particular, penetrarían tan pronto dentro del zeitgeist cultural.

Pero antes de que las novelas se imprimieran Larsson sufrió un ataque cardiaco después de subir siete pisos de escaleras hasta su oficina en Estocolmo. En 2005, La Chica del Dragón Tatuado se publicó póstumamente y obtuvo glamorosa aclamación y popularidad. La novela ganó el codiciado Glass Key Award como Mejor Novela Criminal Nórdica y pronto se convirtió en la lectura obligada de la temporada y después de la década.

Sin embargo Eva Gabrielsson, compañera de Larsson durante muchos años, declaró que si él hubiera vivido para ver el impacto de sus libros, no serían los premios lo que le importaría. En un discurso ante el Observatorio Español para la Violencia Doméstica, que otorgó a Larsson un homenaje póstumo en 2009, ella dijo: “A Stieg Larsson no le interesaba la atención pública sobre él mismo como una persona privada. Convertirse en una celebridad de los medios era impensable para él. Escribir sólo por dinero como un periodista convencional o un autor comercial era su peor pesadilla. Él no deseaba ser conocido así. Stieg Larsson quería lograr que las personas y las sociedades fueran visibles”.

A TOMAR EN CUENTA:

* The girl with the dragon tattoo es una adaptación de la novela del ya difunto Stieg Larsson: Los hombres que no amaban a las mujeres . Esta vez está dirigida por David Fincher y basada en un guión adaptado por Steven Zaillian. A principios de 2010, el productor Scott Rudin comenzó a desarollar el proyecto bajo el marco de Columbia Pictures y en abril llegó el director.

* El rodaje comenzó en Estocolmo (Suecia) en septiembre de 2010 y se transladó a Zurich (Suiza) a principios de diciembre, antes del parón de las festividades navideñas. La producción se reanudó en los estudios Sony y Paramount (Los Ángeles), antes de regresar a Suecia en primavera. En mayo de 2011, Metro-Goldwyn-Mayer se conviritió en un co-financiador, colocando 20% del presupuesto de la película y conseguiendo algunos derechos internacionales de televisión.

* Por otro lado, Jeff Cronenweth reemplazó al director de fotografía Fredrik Backar después de ocho semanas.

* El 28 de mayo de 2011 un trailer de banda roja de la película se filtró en internet, pero fue dado de baja por Sony. Se presentó un cover de la cancion Immigrant Song de Led Zeppelin, esta vez intepretado por Trent Reznor y Karen O. Sin embargo algunos han especulado que esto era parte de un truco publicitario elaborado por Sony, ya que la calidad de sonido e imagen eran demasiado buenas para ser de una grabación de mano, asi como el trailer que lleva la clasificacion R rojo por la MPAA exclusiva en trailers en los Estados Unidos, a pesar de ser supuestamente filmado en un cine de Europa del Este. Un trailer similar con banda verde ha sido lanzado por Sony.

* El 10 de agosto se lanzó el sitio de internet renovado, ahora con fichas personales de cada uno de los personajes principales, además el sitio incluye musica que es de la colaboracion entre Reznor y Ross.