CINE 2011

Lima, 01 Enero 2011 (El Informante Perú).- Otro año que se va y nuestra cartelera está cada vez peor. El cine europeo y asiático, no llega del todo y cuando ingresa a la cartelera algo del viejo mundo, lo hace con un retraso de meses y hasta años. Por otro lado, algunas cintas independientes también son dejadas de lado. Es cierto, las distribuidoras como todo negocio, optan por lo más comercial, pero valgan verdades, en nuestra cartelera predomina la cantidad más no la calidad.

Este 2011 fue el año de muchas películas comerciales, muchas de irregular para abajo, que ni siquiera merecieron ser realizadas, más que para atraer dinero y nada más. La cartelera comercial, como siempre, se inundó de cintas que no colmaron las expectativas del público más exigente. En todo caso, el auge del llamado cine independiente y los esfuerzos de una distribuidora por brindar algo del cine europeo y asiático, hicieron que el público, siquiera, tenga algunas buenas películas que valieron la pena destacar. Pero en líneas generales eso fue insuficiente.

Por otro lado, el sistema 3D se fortaleció y fue el enganche comercial con que atraer público. Este año la idea marketera de exhibir cintas clásicas para niños y jóvenes como “El Rey León” y “Volver al Futuro” tuvo su recompensa y resultó agradable ver nuevamente dichas películas en pantalla grande y en un 3D que felizmente sirvió de algo. Es que, como siempre, existieron cintas donde no se sintió esta tecnología e incluso era mejor verlos en su formato original de 2D. En todo caso la “maravilla” sólo fue pasajera.

En cuanto al cine casero, el Blu-ray Disc, que apareciera hace algunos años, finalmente este 2011 se terminó de consolidar. Y como se esperaba los precios comienzan a descender. Este año ya hay más público que adquiere estos productos y puede disfrutar de esa maravilla visual. Como todos los años, ante la escasez de cintas exhibidas en nuestra cartelera el público sigue siendo fiel al mercado informal. Hay que ser hidalgo en reconocer que existe un sector de público que en su mayoría acude a este mercado para comprar cintas que nunca han sido exhibidas en el Perú. Es por ello que ante la ausencia de mejores propuestas, en nuestra irregular cartelera, estas puedan ser observadas a través del DVD o ahora del Blu-ray Disc. Aunque nunca por nunca será igual como verlo en pantalla grande.

LOS MEJORES ESTRENOS DEL AÑO

1.- RITO DIABÓLICO (PARK CHAN-WOOK).- La historia del sacerdote Sang-hyun y su ingreso a ese mundo de muerte y sufrimiento. “Rito diabólico”, es el noveno largometraje del coreano Park Chan-wook, uno de los nombres más importantes del cine de su país. El título original de esta cinta es (Bak Jwi) que quiere decir “Sed” y se ha convertido ya no sólo en la mejor aportación coreana al subgénero sino en la “película con colmillos” del año. La primera hora de proyección es pródiga en ideas y en hallazgos visuales. Aquí veremos una historia de amor ilícito llena de escenas macabras, humor negro, sexo, mucha sangre, y lo más sorprendente, un vampiro con sotana. Tenemos ante nuestros ojos, una “historia de amor” entre el protagonista, un cura vampiro y una mujer casada, donde él es el virgen y ella “lleva los pantalones” en la cama. El guión recorre temas como la creencia y devoción, la doble moral y el abuso intrafamiliar, los deseos reprimidos, el hastío por el prójimo, la hipocresía, la sensación de poder y la manipulación, entre muchos otros. La cinta tiene momentos evocativos como crueles. Los mejores, el alucinante y formidable primer encuentro sexual de la pareja y sus iniciales experiencias como amantes malditos, el múltiple homicidio de los amigos de la suegra enferma, además de esos saltos fantásticos del vampiro que hipnotizan, alucinan y hechizan. En tiempos de la metrosexualidad comercial personificada en la saga Crepúsculo-Luna Nueva-Eclipse, “Rito Diabólico” rompe una vez más con los esquemas impuestos y se une a una tendencia más realista, ese que no se preocupa por vender un mundo de ensueño, risible, inverosímil al que la publicidad se encarga de enaltecer. Bien, Park Chan-wook, otra vez nos sigues sorprendiendo.

2.- MEDIANOCHE EN PARIS (WOODY ALLEN).- El “maestro” Woody Allen nos ofrece su maravilloso tributo a Paris, la ciudad luz. En “Medianoche en Paris” hay de todo. Desde la nostalgia como punto de reflexión argumentativa, pasando por una estupenda sesión fotográfica y sensorial del París más conocido y también el más bohemio, sin descuidar por supuesto unos diálogos sensacionales y unas situaciones magistrales, para conformar un maravilloso lienzo impresionista que nos permite disfrutar de unos, más que agradables, minutos cinematográficos en una comedia que atrapa desde un primer momento y no deja de sorprender y enganchar en cada escena, a cuál más interesante. Alguna vez, alguien nos dijo que no todos saben como ser bohemios. Efectivamente, hay que envidiar a Gil Pender (el protagonista de la historia) por, siquiera, pensar que alguna vez pisó ese París bohemio, más divertido de noche que de día porque de noche conoce, vive, baila, besa, llueve. Es la ciudad luz, la que ahora muchos visitarán, seguramente, en busca de coches de colección y de alguna rubia a la que le guste la lluvia, justo cuando suenen las campanas a medianoche. Gracias Woody Allen.

3.- TRISTE SAN VALENTÍN (DEREK CINFRANCE).- Dean y Cindy son los protagonistas de esta historia del amor perdido y del amor recuperado. En ella se refleja el proceso por el que pasa la pareja para salvar su relación y los momentos que tienen que enfrentar para comprobar si vale la pena seguir con ello. El mérito de Derek Cianfrance, el director y guionista de la película, es haber retratado con gran exactitud el nacimiento y la decadencia de una relación. "Triste San Valentín" cuenta mediante flashbacks esta historia de amor-drama, este detalle es muy acertado, ya que ameniza la historia y permite que el tema del amor/desamor sea sentido por el espectador y hasta, pueda que se identifique con su temática. La carga de melodrama puede ser justificado pero puede aburrir a algunos. Pero ahí radica su punto a favor porque la crudeza tiende a ser aburrida, para algunos, pero necesaria para que nos exprese el final de una relación y los efectos que estas conllevan. Para esta pareja, estar enamorado no es una vida color de rosa, porque no todo lo que puede ocurrir con tu pareja será hermoso ni todo lo que les rodea es perfecto. A ellos también se les puede acabar el amor, también tienen discusiones, y reconciliaciones, y luchan contra la monotonía del verse a diario, y buscan su espacio y tienen la necesidad de abandonarlo cuantas veces sea necesario. "Triste San Valentín" no es una cinta impactante por haber roto los esquemas, lo es por mostrar en pantalla grande una historia de amor truncado absolutamente devastadora. Es una película melancólica, evocativa, que nos habla del desperdicio del amor, de las miserias del amor. Duele, claro que sí, pero merece la pena. No todo es felicidad en esta vida, por desgracia. Triste y a la vez hermosa.

4.- CAMINO A LA LIBERTAD (PETER WEIR).- Acertada adaptación del libro de Slavomir Rawicz. El director Peter Weir vuelve a demostrar su oficio ofreciendo esta desgarradora historia épica que no arrasó en taquilla, pero que encuentra al director, de nuevo, en lo más alto de su talento. Esta vez nos ofrece una supervivencia fílmica en toda la regla, es un retrato tenso, de un grupo de personas que tienen como objetivo vivir libres. Son un grupo de fugitivos demacrados que ni se pelean entre ellos, ni discuten por quién es el jefe, ni se traicionan, ni compiten por la chica. Sólo buscan el camino deseado. Tiritan. Beben agua de un trapo y hasta se cuentan sus penas. Weir aprovecha el bello paisaje que tiene a su disposición y nos ofrece una película de grandes espacios, filmando con una espesa vegetación cuando la escena lo amerite y de desolado paisaje cuando algunos personajes agonizan. Weir ofrece una imagen de la vida humana y sus ansías por sobrevivir donde la muerte tiene un espacio especial. Todo crudamente retratado donde los diálogos se van volviendo más escasos porque la historia lo amerita. Aquí no hay mensajes explícitos y diálogos explicativos, la imagen basta y sobra para comprobar lo que el director desea plasmar. Y allí radica el talento de Weir. Casi puede uno sentir la desesperación de encontrar el agua, el calor plomizo del desierto, la imponente dureza de las montañas y la graficada concepción de los que caen en el camino. Lo cierto, es que estamos ante una de las películas de supervivencia más puras, reales y reivindicables de la temporada. "Camino a la libertad" no es para nada un film comercial, desagradará al gran público en general, tal vez solo por eso haya que tenerlo en cuenta, no es un film redondo, pero para los que seguimos con interés a este realizador, sin duda agradecemos que mantenga su estilo y su punto de vista alejado de convencionalismos, sabemos que no es nada fácil mantenerse fiel, esperemos que siga siendo así. Larga vida a Peter Weir.

5.- EL PELEADOR (DAVID O. RUSELL).- La áspera, pero humorosa historia del boxeador Micky Ward "El irlandés" y de su hermanastro y entrenador Dicky. La película centra un paralelismo entre dos hermanos inmersos en el mundo del box. Uno, duro e inexpresivo y otro en decadencia, creyendo que la cadena HBO lo entrevista por su posible regreso, cuando lo que realiza es la filmación de un boxeador en desgracia, fumando crack y viviendo del pasado, solamente porque, alguna vez logró derribar a Sugar Ray Leonard. La cinta sigue esa ruta trillada, tantas veces mostrada, que funciona gracias a una magnética dirección, cercana al falso documental, con mucha cámara en mano, y un trabajo interpretativo sensacional por parte de todos los actores implicados en el film. La película no innova ni inventa nada, pero el director David Russell encuentra en su sencillo argumento, una forma inteligente de destacar, sin excederse. Muestra las vicisitudes de una familia caótica a ritmo de falso documental cuyo punto fuerte son las actuaciones. El prólogo y el epílogo muestran la evolución personal y recorrido humano de sus protagonistas y la labor de un cineasta que se recrea y consigue hacer que esa carretera a punto de ser asfaltada sea efectivamente un nuevo camino. Russell consigue mostrar con absoluta transparencia y dolorosa realidad, los impactantes golpes de la vida de esta fábula real, casi tan dolorosa como los ganchos que se dirimen entre las 16 cuerdas. Buen guión, y grandes actuaciones, todo ello enmarcado dentro de un logro, el de la importancia de la familia, la superación de las metas y la búsqueda de los sueños. No cuenta nada nuevo, pero eso es lo de menos. ¿Se puede pedir algo más?

6.- EL ESCRITOR OCULTO (ROMAN POLANSKI).- Estrenada a inicios del año y a pesar del tiempo transcurrido uno no puede dejar pasar por alto esta cinta. Sin duda, el director, Roman Polanski, pone las cosas en su sitio y nuevamente nos ofrece cine del bueno con este thriller político de aire “hichcockiano” cuyo guión es compartido, tanto por Polanski como por Robert Harris, autor de la novela del que se basa la película, "The Ghost", inspirada, según dicen, en la vida del ex Primer Ministro británico Tony Blair. “El Escritor Oculto” es una película sobre el aislamiento. Es una descripción sobre la clase de vida que llevan los políticos, los bunkers en los que se aíslan para preparar sus estrategias y el intento por humanizar a un criminal de guerra. Un trabajo notable sobre el poder político con que se maneja al mundo, historias prohibidas, secretos por descubrir, soledad, mentiras políticas. La falsedad que envuelve a los gabinetes de comunicación y la gran “actuación” de nuestros políticos quedan perfectamente reflejadas en la película. En suma, un thriller de alta calidad como hacía tiempo que no se veía, que recupera a un audaz Polanski en plena forma demostrando que, con tantas obras maestras en su haber, aún tiene mucho que decir. Es que sin duda, a esta cinta no le sobra ni le falta nada. Un coche abandonado en un ferry, un cadáver en una playa… así arranca esta historia donde Polanski nos compenetra con la intriga en menos de un minuto, a bocajarro y sin créditos. ¡Qué grande Polanski! Gracias hombre. Qué gusto da ver una película bien hecha.

7.- SUPER 8 (J.J. ABRAHMS).- Un maravilloso homenaje al cine de los ochenta. El director J.J. Abrams nos presenta una obra que más encanta por lo nostálgica que resulta el comprobar que frente a nosotros tenemos un homenaje perfecto y visual a uno de los coproductores de esta cinta. Steven Spielberg. Por momentos, parece que vemos 'Los Goonies', 'E.T.', 'Encuentros cercanos del tercer tipo' y hasta 'Gremlins' en unos perfectos años 80. La trama es mínima, plana y ya conocida. Lo mejor de todo son los actores pequeños que hacen su propia película en Súper 8, algo emotivo, divertido, y que eleva el interés de un film que se deja ver con agrado. Es una película para todos los públicos. Lo cierto es que elegir ver Súper 8 es elegir volver a recrear tu infancia, esa emoción que sentías cuando ibas al cine con tus amigos y querías sentirte como los protagonistas, donde en su mundo también tienen problemas parecidos a los tuyos pero la fantasía y las aventuras les permiten aguantar cualquier cosa. Si eliges eso, lo disfrutarás. En definitiva, la fuerza de la película radica en que con gran talento y de forma bastante notable han logrado recrear un espíritu que creíamos ya muerto. Súper 8 ofrece al espectador algo que parecía ya perdido, una película de aventuras juveniles, en la que se vuelve a sentir la magia, la ingenuidad de la edad, el deseo de aventura y mucha diversión. Una cinta con la que se sale del cine con una sonrisa y hasta con una “yapa” de regalo porque durante los títulos de crédito finales, se encuentra el video ya concluido de estos chicos, algo que levanta aún más la trama. Cómo habrá llorado Steven Spielberg, al ver esta película.

8.- EL PLANETA DE LOS SIMIOS. (R)EVOLUCIÓN (RUPERT WYATT).- Sin duda, este intento fílmico de reactualizar al mítico Planeta de los Simios, resultó una grata sorpresa, bajo todo punto de vista, ya que el director Rupert Wyatt, conduce la historia y sus consecuencias hacia derroteros distintos. La película se vende como una precuela, pero está muy lejano de serlo. La historia del mítico César se encuadra dentro de los marcos típicos de la ciencia ficción. Wyatt trata la película como si fuese un reloj, con todas sus partes perfectamente aceitadas. Tanto como película explicativa y como blockbuster de consumo, este nuevo Planeta de los Simios destaca principalmente por César, quién es víctima del producto de la biotecnología aplicada en experiencias científicas por una corporación de escasos escrúpulos, pero también es el “hijo” pequeño de James Franco y el “nieto” de John Lithgow. Su participación, complementada con extraordinarios efectos visuales, transforma su personaje en acaso el animal más versátil –y humano– que hayamos visto en el cine. La última parte de la película va más allá del entretenimiento ameno. La cinta muestra el nacimiento de una civilización alternativa, un mundo distinto, pero lo hace sin alzar la voz ni hacer retumbar la sala con un discurso. Lo hace mostrando a los simios dominando San Francisco y, desde allí, al mundo. Las secuencias de combate, en grandes espacios y movimientos colectivos son notables. Todo eso da como resultado, justamente, el que pueda ser considerada uno de los estrenos más amenos del año.

9.- LAZOS DE SANGRE (DEBRA GRANIK).- Fue una de las gratas sorpresas del año. La directora, Debra Granik, se tomó dos años para realizar este rodaje que se hizo ganadora del Gran Premio del Jurado en el Festival de Sundance. '"Lazos de Sangre" es una película que encanta y que deja complacidos a la mayoría por la combinación de cine "B" con cine de autor reforzado por esa fascinante autenticidad que fluye por toda su trama. La película nos relata la historia de una joven que se ve obligada a cuidar de su madre y de sus dos hermanos pequeños en una situación límite. Una historia muy humana y que se siente verdadera, una historia de criminales, de callejones sin salida, secretos y mentiras. Una familia inmersa en las corrientes subterráneas de la desgracia social y el miedo a las costumbres locales, de seres alienados que viven bajo sus propias leyes, de imágenes y sonidos que evocan el estoicismo y la melancolía de este mundo brutal. Una película honesta, que tiene sus raíces en la personalidad de su directora, que con escasos recursos consigue sacar adelante una historia con claras referencias sociales, con códigos de conducta que no sólo se entienden sino que se llegan a creer como posibles dentro del contexto en el que se desarrolla la trama. La película es libre de crear conciencia en el espectador con extractos sacados de un manual de cine indie, algo que no se escapa ni siquiera en su momento final que se intuye desde el minuto cinco de iniciado el filme. "Lazos de Sangre” es un filme serio y sobrio que nos demuestra que la miseria y la pobreza están presentes en lo cotidiano. Sin duda una película singular, que merece la pena ver aunque sólo sea para comprender lo duro que resulta perder nuestra propia infancia. Estamos ante un trabajo sobrio y auténtico con un final poético y tranquilo que cierra una historia sencilla, pero muy efectiva.

10.- X-MEN: PRIMERA GENERACIÓN (MATTHEW VAUGHN).- Sin duda, la saga de los “X-Men” ha comenzado de cero y no sólo contando sus orígenes sino que ha vuelto muy recargada y llena de una desbordante espectacularidad revitalizando esta franquicia que parecía estar destinada al cierre definitivo. El director Matthew Vaughn, gracias a la ayuda de Bryan Singer quién ha retomado las labores de producción y creación de la historia, han realizado una cinta muy lograda con sólidas actuaciones e intrigas que son soberbiamente destapadas a medida que transcurre el film. El punto fuerte de la historia está en la concepción de los personajes que no son superficiales sino que existe entre ellos ese dilema, esa preocupación por el futuro de sus vidas en sociedad. Esa ambición por reinar, ser el animal más fuerte y evolucionado o portarse como chicos buenos. Vaughn detalla muy bien esa lucha interna de sus personajes. La cinta destaca también por un reparto de gran altura, a pesar de la juventud de sus intérpretes. Esta nueva entrega de X-Men funciona muy bien, con agilidad y respetando la inteligencia del espectador, es una película bastante alejada de los cómics, pero a su vez la más fiel al espíritu de los Mutantes de todas las realizadas en la saga. En definitiva X-Men: Primera generación, es una gran película de superhéroes dotada de una historia que te atrapa desde el primer momento. Una gran propuesta fílmica que renace a la saga y que ubica a la cinta como una de las mejores de la Marvel.

11.- TEMPLE DE ACERO (JOEL Y ETHAN COEN).- Los Coen vuelve nuevamente a demostrar su gran olfato cinéfilo al presentar este clásico western sobre el recorrido de un hombre en el ocaso de su vida. Una muchacha como sacada de la estampa de Emily Dickinson busca la complicidad de un viejo sheriff para vengar la muerte de su padre. Así, pues, la trama es elemental donde destaca la narrativa de su acción, el interés por la aventura, la belleza invernal de los paisajes, los peligros que acechan en el territorio indio, la tensión física que representa la escena que muestra a la niña y su caballo cruzando un río, y el humor de sus diálogos. El eje de esta atrapante historia no es otro que la búsqueda de justicia en el sentido primordial del "ojo por ojo", como anticipa la cita bíblica de los proverbios que anteceden al film: "Huye el malvado sin que nadie lo persiga; más el justo está confiado como un león". Recordemos que es la primera vez que los Coen revisan un western y como tal, todo esta minuciosamente cuidado con un sobrio sentimentalismo, siempre contenido pero presente. Con grandes interpretaciones, planos de una estética admirable, donde se respira algo más que el olor de la pólvora. Estamos ante una historia donde su peso argumental no radica en los hechos, sino en la profundidad de los personajes, lo cual es mérito del autor del libro original, Charles Portis. También debemos destacar la hermosa partitura musical a cargo de Carter Burwell y el trabajo del director de fotografía, Roger Deakins, quién ofrece una labor soberbia. En suma, estamos ante un buen ejemplo de como cuando contamos una buena historia sin pretensiones, se consigue transformar esa supuesta sencillez en algo grande, muy grande, que nos cala tan dentro como una bala alojada en el pecho tras un disparo a quemarropa por el peor de los bandidos. Su final en que viejo y adolescente encuentran su destinos con caminos diferentes es poético, y evocativo. Sin duda, los Coen lo vuelven a lograr.

12.- RANGO (GORE VERBINSKI).- El oeste estadounidense ha visto todo tipo de violentos forasteros y héroes pero 'Rango' es una variedad totalmente nueva. El director Gore Verbinski vuelve a demostrar su versatilidad y talento con una producción que nuevamente va más allá de lo que aparenta y ofrece más de lo que cabría esperar. Los primeros veinte minutos de 'Rango' son excepcionales y sirven para presentarnos al protagonista y el tono de la obra que vamos a contemplar. Con la llegada del camaleón a la ciudad, lo que hasta entonces había sido un gozoso ejercicio de surrealismo cómico perfectamente medido se convierte en un homenaje puro y gozoso del western de Sergio Leone, con personajes a cada cual más memorables (la galería de secundarios es asombrosa) y una escena inicial, en una taberna, que es cine del que ya no se hace. La cinta crece y crece a medida que transcurren los minutos. 'Rango' no está concebida como una cinta de animación, sino que se aprovecha del género para modelar su historia y dar forma a sus personajes, valiéndose así de su condición técnica como herramienta y no como razón de ser, algo que de partida ya marca una considerable distancia (salvo excepciones) respecto a la mayoría de los productos derivados de DreamWorks, donde prima la construcción de relatos más convencionales e industriales. Sin duda, estamos ante un fantástico ejercicio animado que rinde homenaje (que no parodia) al western a través de personajes hilarantes. Hans Zimmer pone la banda sonora y Roger Deakins se encarga de que cada imagen asegure un placentero entretenimiento. La cinta es entretenida y con sentido del humor, está repleta de referencias y alusiones fuera del alcance del público infantil, porque, 'Rango' es ante todo cine en estado puro. Algo más, se deja de lado al interesado uso del 3D porque todo está hecho en el glorioso 2D y eso lo eleva aún más. Grandes aplausos para este filme.

13.- CARANCHO (PABLO TRAPERO).- la historia de Sosa y Luján envueltos entre accidentes de tránsito y seguros “nada santos”. Esta película está enmarcada dentro del clásico thriller negro. Como los que se hacían en los años cuarenta y cincuenta, donde una trama detectivesca toma forma silenciosamente a través de un entramado complejo. Es la descripción de la vida privada de dos personajes que intentan vivir en un mundo inestable, en el que un acto aparentemente sin importancia puede dar lugar a una serie de resultados fatales. El término “Carancho”, sirve para denominar a los abogados especializados en accidentes de tráfico en la ciudad de Buenos Aires, un negocio a tener en cuenta, Ricardo Darín encarna a uno de esos “Caranchos” sin escrúpulos y en permanente búsqueda de un accidente siniestro del que sacar partido. Es una película fuerte, potente. El punto fuerte del director Pablo Trapero es su maestría narrativa que se especializa en la acción y puesta en escena, ayudado por un sólido trabajo de cámara y de fotografía de Julián Apezteguía (“Crónica de una fuga”). La película tiene secuencias filmadas con gran oficio: la escena de los dos pacientes peleándose de camilla a camilla (recuerda la riña entre las presas en “Leonera”) de un realismo abrumador, casi sin cortes o la secuencia final, que es para una antología del policial negro argentino. "Carancho" es una cinta de denuncia que tiene a un grupo de excelentes actores que logran sacar adelante una trama fuerte y desgarrada. Sin duda, Pablo Trapero es un director al que siempre se debe recibir con interés.

14.- QUIERO MATAR A MI JEFE (SETH GORDON).- Una comedia entretenida y muy efectiva merced a su ingenioso guión y actuaciones aceptables. Tres amigos planean acabar con la opresión y el abuso que reciben de sus respectivos jefes. Nick, Kurt y Dale son amigos, en las reuniones se cuentan sus infortunios y concluyen que, para terminar con la opresión de su situación laboral, la única alternativa es contratar a un asesino a sueldo para que “despache” a sus jefes. La cinta sigue los lineamientos trazados por comedias como "Un tonta película de guerra" y hasta de "Robo en las alturas" y el resultado es totalmente efectivo. El director Seth Gordon y sus guionistas consiguen, sin salirse de lo que es la comedia domestica, que la historia no descarrile ni se detenga demasiado en los chistes. Está inteligentemente narrada con sorpresas efectivas en la que se lucen su gran y extenso reparto destacando Jennifer Aniston, guapísima y en un rol sorprendente que pareciera intenta emular más a Todd Philips y sus éxitos como “Qué pasó ayer” (The Hangover) que a otras comedias con más sustancia, credibilidad y gracia e incluso grados de locura. La cinta huye de los clichés establecidos en este tipo de comedias y nos regala varias sorpresas, momentos de gran sentido del humor gracias a las absurdas y creativas situaciones que se nos presentan. Es que la gracia está en la comedia de situación que provocan sus actividades delictivas y fracasos continuados. Sencillamente genial.

15.- DAMAS EN GUERRA (PAUL FEIG).- El director Paul Feig nos presenta una comedia disparatada construida sobre los moldes del agotamiento, el exceso y la repetición de las situaciones. En la cinta, el humor grueso y hasta vulgar tiene un sentido lógico y genial cuando es realizado por este grupo de talentosas comediantes que provocan más de un enredo. La brillantez con la que Feig ha ensamblado lo cursi con lo soez roza la perfección y acerca a la típica comedia femenina con el público masculino, siempre adicto a la carcajada cuando se ridiculizan situaciones cotidianas. La película aporta algunas de las secuencias o sketchs mejores elaborados en lo que va del año (por ejemplo, toda la parte desarrollada en una línea aérea). Es que, gran parte de su mérito reside en un reparto ejemplar con una Kristen Wiig sencillamente espectacular y alejada de las clásicas protagonistas femeninas de la comedia romántica. Sin duda, Feig intenta apostar por un humor del que las cintas dirigidas a mujeres no suelen tener (la escena en la tienda de novias es digna de ser resaltada). Mientras el talento de Wiig se pone de manifiesto en su secuencia inicial cuando sale expectorada de su amante de turno y no puede abrir el garaje para salir. “Damas de guerra” demuestra definitivamente que las mujeres son iguales a los hombres en vulgaridad, franqueza sexual, lujuria, vulnerabilidad, excesos alcohólicos e inseguridad, compitiendo tanto o igual con la belleza, el estatus, la figura, el dinero, el carisma, la diferencia social, el éxito, el glamour y las buenas costumbres. Un aplauso para el talento y la frivolidad.

LOS PEORES DEL AÑO

1.- EL AVISPÓN VERDE (MICHEL GONDRY).- Tal vez la gran decepción del año. Se esperaba más que esta pobre adaptación de todo un clásico de la televisión. El director, Michel Gondry junto a Seth Rogen, quién es uno de los productores, convierten a El Avispón Verde, en un bufón, bueno para nada. Le quitan la seriedad y estilo para ser encantador y ni que decir de Kato, un mero oriental con curiosidad por las bombas, pero ni tiene estilo ni sabe luchar tal como su inmortal mentor lo hacía (Bruce Lee). Los chistes de Seth Rogen, escritos por él mismo, tampoco brillan, el personaje interpretado por Cameron Diaz está desaprovechado y las tentaciones hacia el clip en 3D, que parecían viables, quedan descocadas e impuestas en un libreto con poco rumbo y criterio. La película empieza con unos primeros minutos que se muestran prometedores y muy interesantes, lástima que empieza a decaer por el exceso de efectos visuales, los golpes absurdos y los chistes malos de Rogen. Sólo vale la pena para ver a la guapa y sonriente Cameron Diaz y a Christoph Waltz en su papel menos interesante.

2.- EL OSO YOGUI (ERIC BREVIG).- Una fría cinta que no llega a entusiasmar ni recordar con nostalgia al querido Oso Yogui, es que la cinta carece de todo sentido más que de mostrar en tan sólo ochenta y dos minutos diálogos sosos que no consiguen sacarte ninguna sonrisa, ni siquiera con cosquilla. Yogui ha perdido la esencia de la serie original y lo han convertido en un monigote con patas, molesto e incapaz de conseguir llamar la atención. Es la típica cinta al que uno ve por obligación porque a tu lado está el hijo, el sobrino o el nieto menor de 8 años. Una lástima porque, una vez más, cogen algo de nuestra infancia y lo destrozan. Sólo recomendable para el público más pequeño de la casa.

3.- EL RITO (MIKAEL HAFSTROM).- Terror insulso y copión. La película del realizador sueco radicado en Estados Unidos, Mikael Hafstrom oscila, buscando hacer equilibrio sobre lo que es bueno y lo que es vendible, aspectos que no siempre coinciden y aquí finalmente se inclinan hacia inconsistencias arguméntales y acelerados efectismos que surgen del montaje, a la par de fallidos efectos especiales. Lo imperdonable es que copia y encima mal a "El Exorcista" y eso resulta un insulto para el gusto de un buen cinéfilo. Es una película modesta, increíblemente holywoodense, que da la sensación de ser demasiado prefabricada y para colmo con un diablo sumamente aburrido.

4.- JUSTIN BIEBER: NUNCA DIGAS NUNCA (JON CHU).- Una película-concierto en 3D para deleitar a la tímida niña de 13 años. Jon Chu ha hecho la que promete ser una de las mayores aberraciones fílmicas jamás filmadas. Sobre el contenido del documental no hay mucho que decir. Aburre y mucho. Cuando no son imágenes de conciertos, son montajes en los que salen fotos suyas, de fans o comentarios de Twitter (horrendo esto último), estampas rebosantes de naturalidad familiar fingida y entrevistas que lo único que revelan de Justin es que: 1) es genial y 2) aún es joven. ¡Guau!. Hasta en el cine se ha colado el nene, vamos no me jodas....Sólo para sus fans.

5.- LA CHICA DE LA CAPA ROJA (CATHERINE HARDWICKE).- Fallido intento por recrear en forma de thriller fantástico la clásica historia de la Caperucita Roja. La directora del bodrio más empalagoso de los últimos años "Crepúsculo" vuelve a demostrar su irregularidad con esta pálida historia. Es una arquetípica historia de amor entre chicos y chicas de postal llevada a cualquier época, una fórmula que nunca parece agotarse, pero que ahora parece vivir un nuevo auge, ahora con la saga “Crepúsculo”. Los estudios y las productoras parecen empeñados en exprimir al público adolescente que parece tragarse cualquier bodrio romanticoide. En fin, un subproducto comercial indigno de contar en su elenco con un actor de la talla de Gary Oldman, el único que, por momentos, consigue aportar algo de tensión y credibilidad (siendo muy benévolos) a un film tan soporífero como prescindible. Aburrida e intrascendente. De lo infantil a lo inmaduro.

6.- THOR (KENNETH BRANAGH).- Una decepción la llegada del Dios del Rayo al cine. Kenneth Branagh muestra acción, aventura, toques de humor, pero con poca fortuna porque en la mayor parte de la historia se siente cierto vacío en su contexto narrativo. Los que han seguido el cómic deben haberse sentido defraudados. Ni que decir los amantes de las viejas historias animadas que ofrecía la Marvel a inicios de los setenta donde nuestro Donald Blake sufría por el amor de Jane, que en la historia original era enfermera y no científica, algo que ni por asomo se ve aquí. Thor más que una historia basada en una mitología nórdica y germánica escondía una tierna historia de amor hacia alguien inalcanzable (Él era el Dios del Rayo y ella una simple mortal). El personaje central se debatía entre el amor hacia una mujer ó su deseo de acompañar a su padre al trono. Hay memorables capítulos de este extraño triangulo entre el amor hacia su pueblo o a la mujer que ama. En cambio aquí nada de eso se observa, porque todo está planificado para ser un mero soporte narrativo para el plato fuerte de la Marvel, llamado "Los Vengadores". Sobre el reparto, aunque Chris Hemsworth sea el idóneo para el papel, comparado con el resto del reparto está un escalón por debajo de éstos, ni que decir de Loki, interpretado por Tom Hiddleston, que tampoco transmite esa "hipocresía hecha maldad”. El principal problema radica en su pobre argumento, sobre todo en la lucha contra "El Destructor" y es que, elegir a un villano como este para deshacerse tan fácilmente de él es un error, más teniendo en cuenta el pobre expresionismo actoral de Hemsworth. En cuanto a la actuación de Natalie Portman, deja mucho que desear y con justicia ha sido catalogada de las peores de su carrera. Thor defrauda. Los que hemos seguido su historia, esperábamos algo mejor.


7.- ARTURO, EL MILLONARIO SEDUCTOR (JASON WINER).- Flojo remake del 'Arthur' de 1981- con Russell Brand en el papel del borracho feliz inolvidablemente creado por Dudley Moore. En realidad esta comedia ha envejecido bastante mal con el tiempo. La historia de Arthur (Russell Brand), rico heredero que debe casarse con la mujer a la que no ama (Jennifer Garner) para conservar su fortuna, y Linda (Greta Gerwig), chica pobretona de la que terminará enamorándose el protagonista, ha sido demasiado visto durante estos 30 años, por lo que el espectador sabe de antemano cuál va a ser el final de la película. Una comedia que si bien no aburre ni te duerme tampoco te entusiasma ni te garantiza risas, mucho menos carcajadas. Sólo apta para una tarde aburrida donde no haya nada más interesante que mirar.

8.- TRANSFORMERS 3. EL LADO OSCURO DE LA LUNA (MICHAEL BAY).- Sigue la decepción por este fallido juego de maquinas realizado sin ton ni son. A Michael Bay se le puede tachar de muchas cosas, pero cada céntimo de presupuesto que le dan se refleja en sus películas, y me queda claro que para la tercera entrega de Transformers le han dado muchísimo dinero. El término "Blockbuster" queda pequeño para un filme que en su última hora nos entrega impresionantes secuencias de acción. Sin embargo lo que le sobra en espectacularidad le falta en guión. “Transformers 3” se podría decir que es más de lo mismo que las dos anteriores entregas, o sea, te espera toda una ración extra de efectos especiales alucinantes, tiroteos, explosiones, persecuciones, escenas de acción espectaculares, mujeres despampanantes, efectos sonoros apabullantes en las batallas, sensacionales transformaciones de los robots, etc. Aplausos para la espectacularidad. Pero ¿y el guión? Claro sacaron a Megan Fox por comparar al director con Hitler y pusieron en su lugar a la no menos despampanante Rosie Huntington Whiteley y allí quedó todo. Lo cierto es que la historia hunde más el potencial interpretativo que tiene Shia LaBeouf y que luce más desaprovechado de lo que ya ha estado en esta aburridona saga. Con decirles que la mayoría de Autobots y Decepticons, expresan más que las personas reales. Pero damas y caballeros, esto es Hollywood: el lado oscuro del espectáculo.

9.- LINTERNA VERDE (MARTIN CAMPBELL).- Otro pobre ingreso a la pantalla grande de uno de los súper héroes menos populares de la DC Comics, pero no por ello menos importante. La película resultó una profunda decepción. Parece una producción apresurada y torpe donde todo se ha descuidado y a última hora se ha hecho todo tan rápido que imita mal y descaradamente a otras películas. El prólogo resulta prometedor, pero el filme conforme pasan los minutos acaba oscilando entre lo extravagante y lo ridículo. Para colmo, tarda demasiado en arrancar el interés deseado y luego no va a ningún lado, con unos efectos especiales flojos, interpretaciones autocomplacientes, un guión torpe y un director al que se le va de las manos una cinta que se agota muy rápido. Por el momento se sentará junto a Thor, Elektra, Daredevil y el Vengador Fantasma. Héroes que tuvieron su momento de fama en la pantalla grande, pero que terminaron esperando un mejor guión que los eleve nuevamente hacia aquella popularidad que esos dibujos plasmados en una revista les otorgó.

10.- JOHNNY ENGLISH RECARGADO (OLIVER PARKER).- ¿Qué espera uno de esta cinta? Reír y pasar un rato divertido. Pero, ¿realmente lo consigue? Pues a medias. Evidentemente, es un film con humor, pero, por desgracia sufre más altibajos de los deseados. Algunos gags son graciosos, pero después de ocho años del primer Johnny English, se esperaba mucho más. Han tenido tiempo para preparar un guión más ingenioso y bromas más elaboradas, o al menos más divertidas. Esta nueva versión cómica de un James Bond patán, no consigue engancharnos a tiempo completo, en parte por el abuso de los clichés y el humor un tanto repetitivo. Rowan Atkinson nos tiene mal acostumbrados con las exageraciones, gestos faciales y la torpeza, propias características de Mr. Bean. Ahora que se encuentra con otro personaje más serio, más soso y más británico (al estilo de un gentleman), sucumbe estrepitosamente. Atkinson debe buscar diferencias. Muchos no desean ver a Mr. Bean sino a un Johnny con sus propias características faciales.

11.- WINTER EL DELFÍN (CHARLES MARTIN SMITH).- Cinta que funciona por lo extremadamente empalagosa que es además de ser excesivamente familiar y redundante en una trama tantas veces vista. Es sí, Winter se conectará con el espectador desde el primer minuto. Los que han tenido la oportunidad de estar junto a delfines sabrán que son unos animales increíbles con los que nunca te cansarías de estar. Pero hasta ahí nomás. El cine utilizando las viejas fórmulas de siempre aderezada con buenas dosis de cursilería. Tiene un guión bueno pero su base es la misma de siempre, niño cuida animalito enfermo y la gente lo ayuda. Está demasiado visto con algunas escenas sobrantes como el del helicóptero que sólo lo utilizan para meter más 3D de lo poco que posee. La cinta en sí no es ni pasable ni un peliculón. Es como la mayoría de las cintas relacionadas con el mar, animales y niños. Más de lo mismo.

12.- CONAN 3D (MARCUS NISPEL).- El legendario personaje creado por Robert E. Howard vuelve a las pantallas con nuevo aspecto y buenas intenciones que se estanca en la dirección del siempre flojo Marcus Nispel. Lo cierto es que Conan llegó a nuestros cines amparado en el cliché comercial del 3D pero que solamente es una combinación de sangre y adrenalina para satisfacer a los amantes del cine de aventuras en exceso que sabrán valorarla como lo que es: golpes, sangre y romance que sólo busca saciar nuestra necesidad de diversión y entretenimiento. La trama se encamina en una dirección, pero al final ya no consigues recordar el por qué empezó todo, dejando el tema principal olvidado totalmente. Pues bien, estamos ante una muy mala continuación de las aventuras del bárbaro, muy bien vendida pero con un resultado mediocre (algo lógico teniendo a Marcus Nispel detrás de la cámara) con un diseño de producción que deja mucho que desear, sin una buena fotografía, casi todos los decorados hechos a base de infografía barata. Entretenida a ratos pero a años luz de lo que este gran personaje se merece. Un producto realizado solamente para que evoquemos a Arnold Schwarzenegger, Grace Jones y Topol, tan criticados en su tiempo pero que gracias a producciones como esta nunca caerán en el olvido.

13.- EL RETRATO DE DORIAN GRAY (OLIVER PARKER).- Otra decepción más. Se esperaba mucho de esta cinta. El director Oliver Parker, opta por el lado fantástico de la historia y le da erotismo al guión tomando algunas licencias de la novela original con muy poca fortuna. En realidad, para un fan de esta majestuosa obra, la cinta carece de estilo propio y fuerza visual para las escenas claves, además que sus "licencias" son poco afortunadas. No obstante privilegia con acierto el lado sexual de la novela que Wilde no pudo debido a la censura. Estas son las relaciones homosexuales de Dorian, las escenas explícitas de sexo tanto con mujeres como con hombres (y todo a la vez), y el coqueteo con las drogas que reflejan muy bien el cambio de Dorian de un chico tímido, reservado e inocente; en un auténtico vividor y un hombre corrupto. También dentro de esto hay lugar para muchas exageraciones como la práctica de relaciones sadomasoquistas y la presencia de la heroína. Si bien Parker acierta en ese contenido, el presentarnos a un Dorian muchísimo más corrupto y violento del que nos encontramos en el maravilloso libro de Wilde contradice en mucho con la trama y deforma al personaje, a la par que Ben Barnes luce plano y acartonado debido a sus limitaciones como actor. Y ese es otro punto en contra por el que la cinta no llegue a más. En suma, una fallida realización.

14.- EL PRECIO DEL MAÑANA (ANDREW NICCOL).- Cuando uno empieza a ver la película, se entusiasma con la historia debido a un arranque singular y atractivo. Lástima que con el correr de los minutos, poco a poco deviene en una película de acción como mandan los cánones de Hollywood. Lo cierto es que, al escribir una película uno intenta que los personajes sean quienes guíen la trama, que dichos personajes sean complejos, incluso contradictorios, y que tengan matices, que las situaciones sean verosímiles (siempre dentro del género en el que te mueves), que la trama tenga una dirección clara y concisa... en fin, lo normal. Pero al ver esta obra uno empieza a tener dudas porque la historia resulta demasiado convencional. Escenas demasiado previsibles, tópicos y frases para el olvido que decepcionará bastante. La diferencia más llamativa podría ser las escenas de acción, pero no son nada del otro mundo y su dirección no sorprende. La idea es muy buena, pero la película termina causando bostezos. En fin, una película que parece escrita por un niño de 4 años. Horrorosa.

15.- SANGRIENTO DÍA DE LAS MADRES (DARREN LYNN BOUSMAN).- Un desagradable y modesto film de terror, del director de 'Saw', Darren Lynn Bousman y con una Rebecca De Mornay en plena forma. Este film de terror, con pinceladas de gore, plantea pocas cosas. Primero que cumple las expectativas de un cine comercial (con angustiosas escenas). Segundo que es un tema ya tratado en el cine (y siempre con éxito): la famosa matriarca malhechora, sádica y su banda de matones (en este caso sus hijos) y tercero va dirigida a un leal público adicto a este tipo de género. El problema es que no vemos algo más de lo que ya estamos acostumbrados. La escenas violentas son aceptables, pero hasta allí nomás. Todo lo demás es para el olvido. Muy recomendable para los amantes del gore light.

LAS MEJORES PELICULAS PERUANAS

Nuevamente tres películas ocupan este lugar de honor para las cintas nacionales, que en su conjunto, no tuvieron un buen año en la taquilla. El cine peruano mantuvo una relación tensa con los exhibidores y distribuidores e incluso tuvo que intervenir el ministerio de Cultura para demandar un mayor apoyo al cine nacional. La realidad es que el cine nacional sigue avanzando y ganando apoyo. Eso es digno de resaltar. Finalmente el 2011 se caracterizó por el ingreso de cintas regionales en la cartelera comercial como “El último guerrero Chanka” y “Reshinn, sangre de anaconda”, algo muy destacado bajo todo punto de vista. Finalmente, este 2011, los aplausos se lo llevan, por orden de mérito:

1.- LAS MALAS INTENCIONES (ROSARIO GARCÍA-MONTERO).- La ópera prima de Rosario García-Montero tiene mucho de misticismo y reflexión. Nos presenta a una niña inteligente pero atormentada por mil fantasías de exclusión y muerte que tiene que ver con el nacimiento de su primer hermanito en medio de aquella convulsionada Lima donde los terroristas dejan coches bomba y dejan a Lima en tinieblas cuantas veces ellos lo desean. La película es imaginativa y a la vez crédula. Es el punto de vista, de una niña que imagina e interpreta la sociedad a su forma ayudada por un grupo de láminas en donde nuestros héroes nacionales cobran vida tratando de ayudar a esa pequeña que sólo busca respuestas. La historia presenta un enfoque irónico y personal. Unos padres divorciados, donde la madre es una neurótica racista, el padre un mujeriego perdedor y su padrastro es un pintor frustrado. Mientras, la niña piensa y sueña, patalea y hace travesuras, pero su yo interno es muy fuerte ayudado por esos héroes de papel que cobran vida en su imaginación. Sin duda, estamos ante una de las óperas primeras más destacadas del año.

2.- EL INCA, LA BOBA Y LA HIJA DEL LADRÓN (RONNIE TEMOCHE).- Otra ópera prima que no defraudó. Es la historia de tres personajes distintos del norte de nuestro país cuyas vidas se cruzarán cuando vengan a la capital. Son tres personajes sencillos y marginales, nada tienen ni poseen, pero no se resignan a vivir sin amor. La historia más interesante es la del "Inca", pero la mejor construida es la que corresponde al "hijo del ladrón". La cinta es una fábula rural con personajes interesantes y atípicos. Es destacable también su eficiente fotografía, donde se observan imágenes del desierto norteño al atardecer y un hermoso paisaje mañanero. Una cinta para nada desapercibida.

3.- Y SI TE VI, NO ME ACUERDO (MIGUEL BARREDA).- Este año se estrenó finalmente la opera prima de Miguel Barreda después de una década de espera, ya que fue filmada el año 2000. La película es una de las primeras que se rodó en digital y constituye la primera road movie del cine peruano (cinta de carretera). Barreda muestra la naturaleza tragicómica de las relaciones humanas ante el fondo de la cotidianeidad peruana actual, llena de situaciones y personajes que ocultan peligrosas sorpresas detrás de su aparente normalidad. La película aborda el Perú de los noventa donde muchos apostaban por irse del país, cansado de la crisis y la falta de una oportunidad mejor. La cinta plantea las paradojas de este grupo de personajes. Una se quiere ir y otro llega de Alemania. El momento en que Eva María descubre el correo electrónico es casi antológica y la escena en que los personajes se enfrentan al taxista "mañucón" personificado por el gran y recordado Gilberto Torres son muy logrados. Y si te vi, no me acuerdo, con mucho de sus escenas forzadas y personajes sobrantes es aceptable en su contexto y se deja ver, sobretodo, porque plasma en imágenes una Lima carcomida por el smog, los autos antiguos y la idea fija del adolescente promedio de aquella época. "Que el país se caía a pedazos y por eso habría que largarse en busca de un futuro mejor".

LAS PEORES PELÍCULAS PERUANAS

1.- BOLERO DE NOCHE (EDUARDO MENDOZA).- Una cinta que se quedó en el intento. La historia del Trovador y su musa inspiradora nunca llega a sentirse. "Bolero de noche" intenta mostrar una historia de amor eterno que nunca despega, anuncia un drama pasional que nunca llega al éxtasis, en parte, porque el guión adolece de algo esencial en este tipo de tramas. La fuerza narrativa de la historia y la química actoral entre sus protagonistas. La cinta va entre lo real e irreal pero carece de sentido lógico unido a las nulas matices que deben ser necesarias para que el espectador haga suya la historia y se olvide que lo que observa es algo fantasioso. La historia interesa, pero la trama carece de conflictos, dolor, exaltación, sufrimiento, pasión; el romance que se supone traspasará toda barrera del tiempo, no es más que jadeos y arrumacos sin sentido. El Trovador y La Gitana son meros espectadores dentro de un bar donde un diablo travieso parece jugar al póker que a mostrar los misterios oscuros del romance y el dolor. Una idea buena que se quedó en el intento.

2.- EL GUACHIMÁN (GASTÓN VIZCARRA).- La historia de un hombre perdedor y bastante torpe que al fin tiene el dinero necesario para hacer realidad todos sus sueños. La cinta de Gastón Vizcarra nos recuerda mucho aquel cine casero y mundano que tienen algunas industrias fílmicas, con pocas pretensiones, pero interesantes para un público ávido de ver guiones fáciles con cuerpos exuberantes y diálogos donde las lisuras y el "medio sentido" están a la orden del día. “El guachimán” intenta ser ese sketch humorístico audiovisual donde el “tonto” resulta ser el más vivo de todos, es el "cojudito” que resulta “el bacán del barrio" que logra poseer a exuberantes mujeres y deja, “por un lado" su fracasada vida. La propuesta luce fresca porque Guillermo Castañeda, el tonto monse, de la historia causa efecto pero el guión adolece de escenas mejor construidas, como se dice en los programas cómicos, un sketch con un remate final jocoso y, porque no decirlo, hasta lleno de golpes y lisuras. Total es un tipo de historias construidas para ese fin. Un folletín doméstico que carece de excesos y quer no le permite despegar como debiera. Ojalá Vizcarra se especialice en este tipo de cintas. Total siempre hay público para todo tipo de propuestas.

MEJORES ACTORES PERUANOS

Carlos Cubas en “El inca, la boba y el hijo del ladrón" es un campeón de lucha libre, quien a la vejez se queda sin trabajo. Sin dinero ni familia, deambula por las calles buscando algo que le dé sentido a los últimos años de su vida. En su inexpresividad está las huellas de su fracaso. Un luchador fuerte y duro, pero con un corazón noble y humano. "El inca" es un ser humillado y abucheado que se convierte en buen samaritano. Cubas constituye uno de los motivos por el que la cinta de Ronnie Temoche no defraude para nada. Por su parte, Miguel Iza en “Y si te vi, no me acuerdo” personifica a “Lagartija” un hombre que regresa al Perú después de haber vivido muchos años en Europa. Su padre acaba de morir y él viene a cobrar una herencia y empezar una nueva vida en su país. Junto a Eva María, cruzan en la carretera Panamericana, abandonados a sus pensamientos, instintos y pasiones. Iza, como siempre, saca adelante a su personaje, un sujeto que no quiere ser parte de la cotidianeidad peruana de los noventa donde muchos apostaban por irse del país, cansado de la crisis y la falta de una oportunidad mejor. Finalmente Melchor Gorrochátegui en “Las malas intenciones” interpretando al chofer don Isaac, es un hombre acostumbrado a los apagones y a las bombas que vivió Lima durante esos convulsionados años del terrorismo. Los diálogos que entabla con Cayetana reflejan el deseo por aquellas preguntas y respuestas jamás plasmadas. Es una conversación donde se junta la duda con la experiencia, acaso un analogismo del Morgan Freeman hablando con Jessica Tandy en “Paseando a Miss Daisy. Gorrochátegui luce muy bien y en su pausada habla mientras recorre la ciudad convulsionada por el horror y el miedo radica la presencia de un actor concentrado en su papel y en lo que quiere expresar en la escena.

MEJORES ACTRICES PERUANAS

De lejos, el debut de la niña Fátima Buntinx en “Las malas intenciones” resulta más que satisfactorio. El peso del filme recae en “Cayetana” (su personaje), quién logra que nuestro interés no decaiga, debido a su gradual proceso de ira, frustración y depresión, que se marca por un solemne juramento personal: cuando su hermano nazca será el fin de su vida. Esa expresión infantil de querer acercarse a aquel mundo adulto, tan ajeno y poco entendido para ella, nos compenetra con la historia y nos presenta a un personaje muy sólido en su contextura. A la par tenemos un muy buen uso expresivo de la música; la propia directora del film, deja escuchar su voz en varias de las canciones que contribuyen eficazmente a representar el mundo de la niña y la formación de su mundo imaginario. Más lejos, aunque no menos destacable, resulta la actuación de Marisol Palacios en “Y si te vi, no me acuerdo”, personificando a Eva María, una mujer que trabaja de noche en un supermercado de Lima, y ahorra para llevar a cabo su sueño de irse a vivir a Argentina. Palacios le pone fuerza dramática a varias escenas claves del film y tiene a su cargo las mejores secuencias de la historia.

MEJOR DIRECTOR PERUANO

Rosario García Montero, se lleva los aplausos por su buen trabajo en su primera ópera prima, “Las malas intenciones”, una trama conmovedora, que trasciende el relato de la experiencia infantil de una niña rica que nos invita a reflexionar sobre nuestro país y su historia, sobre la decadencia de una clase social y un modelo de nación. Muy buen ingreso a la pantalla grande.

LOS MEJORES MOMENTOS FILMICOS DEL AÑO

1.- MEDIANOCHE EN PARIS (WOODY ALLEN).- Gracias a un impulsivo deseo de pasear de noche por las calles de París, el protagonista de la película, Gil Pender, 'viaja' a su anhelado París de los años veinte, junto a los eruditos literarios, pintores y demás artistas que admira. Pero, el momento en que Gil, camina por la calles del París de hoy y escucha a lo lejos, “Let’s do it (Let’s fall in love), una melodía de Cole Porter, uno de sus amigos de medianoche escuchada a través de un viejo disco de 33 RPM resulta evocativa como reflexiva. Gil se acerca y conoce a Gabrielle, la joven “bouquiniste” que se va a convertir en prueba cabal de que el presente es la dimensión temporal que cuenta y pesa en la existencia. La escena enarbola un aire encantador, evocativo, puro, nostálgico. Sin duda la fantasía se hace más real, al plantear el autor que tú presente siempre tendrá que ver con el pasado aquel donde se aceptan todas las posibilidades de lo imaginario. “Medianoche en Paris” retrata magistralmente a la ciudad luz, donde la bohemia y el romance constituye placeres que más de uno desea experimentar.

2.- EL PLANETA DE LOS SIMIOS: (R)EVOLUCIÓN (RUPERT WYATT).- Los simios y su evolución dentro de la vida humana. César es víctima de las circunstancias. Vive una vida feliz pero ese tiempo se acorta cuando evoluciona rápidamente. Pasa de ser una "mascota de familia" a ser un sujeto que luego de una resistencia doméstica se independiza hasta formar su propio clan al que él mismo comienza a domesticar. Por ello, la última parte de la película va más allá del entretenimiento ameno. La película muestra el nacimiento de una civilización alternativa, la de un mundo acaso distinto. La revolución estalla y los simios comienzan su lucha por la libertad en San Francisco y, desde allí, al mundo. Ya no existe piedad ni dolor, sólo venganza y muerte para aquellos que los mantuvieron en cautiverio y esclavitud. A partir de allí ya nada será igual para ellos ni para nosotros.

3.- MADRE E HIJA (RODRIGO GARCÍA).- El destino centra a tres mujeres dentro del círculo de la vida. Es la historia de tres mujeres y sus principales relaciones amorosas: con sus hombres, con sus hijas y con sus propias madres. Una de ellas, es Elizabeth, (Naomi Watts), aquella niña abandona al nacer, que ahora lucha con sus propios problemas de familia, sexualidad y poder. Ella también tiene la capacidad de amar, pero será necesario que pase algo inesperado para que aprenda a adorar a otra persona. La película es una reflexión sobre la maternidad o, para ser más exactos, sobre la maternidad frustrada. La fuerza de las secuencias de cada una de las protagonistas es conmovedora. La bellísima Naomi Watts, tiene un personaje brutal y está maravillosa, en el papel de una mujer económica y sexualmente independiente. Es una historia de la vida misma con extraordinarios diálogos (cuando Jackson habla con Watts en el despacho de ésta, es para quitarse el sombrero) y extraordinarios cruces de historias y desenlaces perfectos y precisos. El encuentro de alcoba entre Jackson y Watts es impecable, va más allá de lo sexual, además de centrar la historia en los conflictos internos de Elizabeth-Watts. Definitivamente Rodrigo García debió ser mujer en una vida pasada y ahora vive reencarnado en director de cine. Solo de esta manera se entiende la facilidad que tiene para desentrañar el universo femenino a través de unos personajes a cual más fascinante que constituyen la base de toda su filmografía. Una historia dura, sensible y llena de pequeños trozos de vida.

4.- RITO DIABÓLICO (PARK CHAN-WOOK).- Un experimento médico fallido convierte a un sacerdote en un vampiro. Quiere dominar sus sentidos, pero el cuerpo termina dominando a su alma. Cuando explora los placeres de la carne su vida se vuelve un tormento. Termina enamorado de una mujer lasciva, cruel y hasta sensual. El alucinante y formidable primer encuentro sexual de la pareja es el inicio para esa respuesta que el sacerdote quería encontrar y que lo atrae cada vez más a la muerte y a la lujuria. Luego de eso la posesión se acentúa hasta llegar al corolario final. La conversión de ella y el nuevo poder que ahora ostenta su pareja, la de vivir a expensas de la sangre de los demás, terminará por atormentarlo por sus nuevas necesidades y, sobre todo, por las del monstruo que ha creado al convertirla a ella. Sang-hyun comprende que da igual que ella sea una asesina, simplemente ya no puede vivir sin ella.

LAS INCOMPRENDIDAS DEL AÑO

EL CISNE NEGRO, MÁS ALLÁ DE LA VIDA, EL DISCURSO DEL REY

"Black Swan" (El Cisne Negro) es la principal incomprendida este año. Para unos una maravilla fílmica, mientras que para otros completamente fallida. El director, Darren Aronofsky explora la crisis psicológica de una artista incapaz de reunir en su interpretación dancística la pureza de Odette, el cisne blanco, y la perversidad de Odile, el cisne negro. La película se sostiene por los cambios que se observan en Nina un ser casi perfecto, un cisne blanco de movimientos gráciles e impecables que parece danzar por encima del resto de mortales. Pero también es una mujer reprimida, que duerme custodiada entre muñecos de peluche, sufre la insidiosa competitividad de sus rivales y se ahoga en los sueños frustrados de una madre dominante. El problema de la cinta y con el propio Aronofsky es la carga de efectivismo puro que tiene la historia, sobretodo en sus últimos 30 minutos, donde la histeria es tan morbosa como sensual. Con todo la cinta tiene sus detractores y defensores. Otra cinta que genera debate es “Más allá de la vida” del gran Clint Eastwood. La cinta narra paralelamente la historia de tres personajes que han tenido algún tipo de contacto con la muerte y cuyas vidas acaban cruzándose. Es una historia reflexiva que trasciende la muerte y examina líricamente nuestros miedos más oscuros y nuestras creencias más arraigadas. No se la puede catalogar de “fantasía”, lo sobrenatural aquí es simplemente el nexo entre tres personajes con historias fuertes y duras. A estas alturas nadie duda del talento de Eastwood y su capacidad para afrontar esta nueva experiencia al terreno de lo fantástico e irreal. El problema básico radica en que las tres historias no terminan de cuajar entre sí, es que la tensión emocional se termina diluyendo en el estereotipo. Eso si, tiene ese estilo de hipnotizar y mantener esa intriga entre los escépticos. En suma no estamos ante un trabajo logrado, pero sin duda es una experiencia digna de verse y al que debemos observar con atención. Finalmente tenemos, la cinta ganadora del Oscar a la Mejor Película del 2010, “El discurso del Rey”, una película de actores y no de situaciones, una cinta muy británica, es decir, basada en diálogos y en grandes interpretaciones con evidentemente un gran reparto. Es la típica película que les gusta mucho a los críticos de la Academia. Cumple con los cánones de calidad y obviamente cuenta con ese drama cumplidor y aplicado. A pesar de eso, la película dirigida por Tom Hooper, cuenta con un buen guión, sencillo pero efectivo, pero por encima de todo, interpretaciones dignas de elogio. Mucha calidad y poca sorpresa para 'El discurso del rey', una cinta que, a pesar de todo, es entretenida.

LAS MEJORES ACTRICES

Lugar de honor para Michelle Williams por su notable caracterización de Cindy en “Triste día de San Valentín”. La actriz sabe ser dura y romántica a la vez, la química con su compañero de reparto, Ryan Gosling, es palpable y se siente durante toda la película. Gran labor. Otra actuación elogiosa es la de Natalie Portman brillante como Nina en “El Cisne Negro”. Un ser casi perfecto, sumisa y con ángel, pero también es una mujer reprimida, que se ahoga en los sueños frustrados de una madre dominante. Por otro lado también tenemos a Kim Ok Bin quien brilla en “Rito diabólico” como la amante del sacerdote vampiro que se aprovecha del amor que le profesa para lograr el poder que necesita para ser más fuerte y cruel a la vez. Otras actuaciones brillantes la constituyen Amy Adams y Melissa Leo en “El Peleador” y finalmente cierra nuestra lista de grandes, Jennifer Aniston quien sorprende a todos en “Quiero matar a mi jefe”.

LOS MEJORES ACTORES

Uno sólo brilla por encima de todos, Colin Firth quien destaca en “El discurso del Rey” como el duque, hijo del rey y hermano de su sucesor, cuya tartamudez es la razón de su inseguridad y de los problemas que se le presentan, por pertenecer a la familia Real y lo que este supone. De la misma cinta, es destacable la participación de Geoffrey Rush soberbio en su rol de maestro que intenta curarle ese “pequeño problema”. Otras actuaciones destacadas son la de Ryan Gosling, simplemente notable en “Triste San Valentín”, Song Kang-ho personificando a un sacerdote vampiro en la memorable “Rito diabólico”, un personaje inexpresivo, fluctuante, variado, reflexivo que el actor lo retrata eficazmente. También destaca Jeff Bridges como el viejo sheriff alcohólico en “Temple de acero” y Ed Harris como el fugitivo americano en “Camino a la libertad.

MENCIONES HONROSAS

Alguna cintas dignas de ser mencionadas durante el 2011 son, “La doble vida de Walter” en la que Jodie Foster como directora no defrauda y nos entrega un drama digno que se sostiene por la buena actuación de Mel Gibson, su buena puesta de escena y una eficiente dirección de actores. Tenemos también “El gran concierto”, una sorprendente y deliciosa comedia con un trasfondo político que da seriedad a la historia pero no la oscurece, con momentos cómicos simples y a veces surrealistas pero geniales, que junto a la historia personal que va desenlazándose con cada nota llega a un final apoteósico e intenso que no puede dejar indiferente a nadie. También es meritorio destacar, “El engendro del mal”, de Tom Six, una historia de horror europeo, crudo, pero muy bien filmado. Aturde y asusta como pocas. No defrauda. Por otro lado, “Operación regalo”, de Sarah Smith resulta una sorpresa por su humor y su sorprendente madurez al abordar un tema tantas veces usado como la Navidad. El final de la saga de Harry Potter, (Harry Potter y las reliquias de la muerte II), aunque sin el brillo de las anteriores resultó atractiva y hasta nostálgica. Finalmente “Cars 2” mantuvo a Pixar dentro de los films más interesantes del 2011. La nueva secuela de los autos endiablados no defraudó en lo absoluto.

CIRCUITO CULTURAL

El circuito cultural siempre es bienvenido porque posibilita acceder a cintas que, por obvias razones, no hay posibilidad de verlo en el circuito comercial. Mención aparte constituye el Festival de Lima, que siguió consolidándose como el cine alternativo perfecto para satisfacer a todo tipo de público. Este año la ganadora resultó “El premio” de Paula Markovitch (México).

Como siempre, el Festival de Lima nos dejó muy buenos títulos a tomar en cuenta, por si deseas verlo en DVD además de alguna u otra película que tuvimos oportunidad de apreciar en el ya querido CCPUC de la Católica. Estas fueron nuestras preferidas este año.


1.- Chicogrande, Felipe Cazals (México)
2.- Verano de Goliat, Nicolás Pereda (México)
3.- Por tu culpa, Anahí Berneri (Argentina)
4. - Post Mortem. Pablo Larraín (Chile)
5.- La vida útil. Federico Veiroj (Uruguay)

EL DVD DEL AÑO

El DVD parece llegar a su final en el gusto de los cinéfilos. El auge que ya viene teniendo el Blu-ray Disc, le augura poco tiempo de comercialización. Este año nuestro favorito en DVD fue el estreno comercial de "El Planeta de los Simios (R)evolución” y “Rito Diabólico”. Por supuesto que en Blue Ray la experiencia será aún más que placentera. No se la pierdan.

EL SUCESO DE FIN DE AÑO: LAS AVENTURAS DE TINTÍN

Al final del año nos llegó esta maravilla visual que resulta imperdonable no destacarla dentro de los mejores de este año. Una espectacular cinta de aventuras que sólo Steven Spielberg podría realizar. Desde los brillantes títulos de crédito, uno tiene la sensación de estar presenciando algo completamente diferente y profundamente divertido que se apoderando del gusto del espectador hasta más allá del final. Todo visualmente es una maravilla, Spielberg ha trasladado el cómic al cine con una fidelidad visual impresionante, mucho mejor de la que se podría soñar en complicidad con el 3D que funciona en forma maravillosa. Sin duda, la calidad de la animación es de altísimo nivel. Tal vez esté cargado de un exceso de aventuras, pero la maravilla visual que uno tiene en frente cubre todo vacío del guión. El famoso director se lanza con una gran película de entretenimiento y, tomando y respetando la maravillosa historieta de Hergé. Tanto Steven Spielberg como Peter Jackson nos alegraron la Navidad con este regalo fílmico de primera.

Finalmente como cada año hacemos llegar nuestro agradecimiento a las distintas distribuidoras por su valiosa colaboración a lo largo de este año 2011. Mis especiales agradecimientos a todos, pero en forma especial a UIP, Delta Films y Andes Films por mantenernos siempre informado sobre los estrenos de sus respectivas casas distribuidoras.

Textos y edición: Richard Manrique.
Diseño y estilo: Karen Martínez.
Envío de los lanzamientos en DVD desde Miami: Silvana Maldonado.
Agradecimiento especial a todos aquellos que por su invalorable empeño lograron que este espacio siga un año más como fuente de consulta. Así como a Gustavo Gutiérrez quien como cada año colabora eficientemente con todos nosotros.

Hasta el próximo 2012 con otro recuento anual de nuestro querido mundo cinematográfico.